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ESTHER L

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esther l pez romero grado en educaci n primaria – PowerPoint PPT presentation

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Title: ESTHER L


1
40 PRINCIPALES
  • ESTHER LÓPEZ ROMERO
  • GRADO EN EDUCACIÓN PRIMARIA

2
PINTORES
3
LEONARDO DA VINCI
  • Nació el 15 de abril de 1452 en el pueblo toscano
    de Vinci, próximo a Florencia. En sus primeros
    años recibió la más exquisita educación en
    Florencia. Hacia 1466 acudió a formarse al taller
    de Andrea del Verrocchio, figura principal de su
    época en el campo de la pintura y escultura. Tuvo
    la oportunidad de estudiar las bases de la
    química, de la metalurgia, el trabajo del cuero y
    del yeso, de la mecánica y de la carpintería, así
    como de diversas técnicas artísticas como el
    dibujo, la pintura y la escultura sobre mármol y
    bronce.
  • En 1472 entró a formar parte del gremio de
    pintores de Florencia, pero siguió siendo
    ayudante de Verrocchio, en cuya obra Bautismo de
    Cristo pintó el ángel arrodillado de la izquierda
    y el paisaje de matices neblinosos.
  • Uno de sus primeros trabajos conocidos es el
    Paisaje del valle del Arno o Paisaje de Santa
    Maria della neve (1473), un dibujo hecho con
    pluma y tinta. Así comenzó su carrera de pintor
    con obras ya destacables como La Anunciación
    (1472-1475). Otras obras de su etapa juvenil son
    la Adoración de los Magos, Madonna Benois ,el
    retrato de Ginebra de Benci, y el inacabado San
    Jerónimo.
  • También destacó como ingeniero. En 1478 se
    ofreció para levantar la iglesia octagonal de San
    Juan de Florencia, y fue cuando se alejó de lado
    de su maestro después de haberlo superado
    brillantemente en todas las disciplinas.
  • En 1482 entró al servicio del duque de Milán como
    ingeniero de sus numerosas empresas militares y
    como arquitecto. Además, ayudó al matemático
    italiano Luca Pacioli en su célebre obra De
    Divina Proportione (1509)
  • La obra más importante del periodo milanés son
    las dos versiones de la Virgen de las rocas,
    donde aplica un esquema compositivo triangular
    que encierra a la Virgen, el Niño, san Juan y el
    ángel, y por otro lado, utiliza por primera vez
    la técnica del sfumato.
  • De 1495 a 1497 trabajó en su obra maestra La
    última cena, pintura mural para el refectorio del
    monasterio de Santa Maria delle Grazie, Milán. Su
    mayor encargo fue el monumento ecuestre en bronce
    a tamaño colosal de Francesco Sforza. En 1503 en
    Florencia, fue miembro de la comisión de artistas
    encargados de decidir sobre el adecuado
    emplazamiento del David de Miguel Ángel.
    Durante su segundo periodo florentino, Leonardo
    pintó varios retratos, pero el único que se ha
    conservado es el de La Gioconda, uno de los más
    famosos de toda la historia de la pintura,
    también conocido como Mona Lisa. En 1507 hace la
    segunda versión de la Virgen de las rocas y Santa
    Ana, la Virgen y el Niño. En 1516 se trasladó a
    Francia donde pasó sus últimos años en el
    castillo de Cloux, cerca de Amboise, en el que
    murió el 2 de mayo de 1519.

4
  • La Monalisa es una de las obras más importante de
    Da Vinci y además el retrato que más literatura
    ha generado a lo largo de toda la historia del
    arte ha dado origen a cuentos, novelas, poemas y
    hasta óperas. Fue una obra famosa desde el
    momento de su creación. Su sonrisa ha hecho
    correr ríos de tinta. Se ha visto en ella
    crueldad y se le ha considerado la sonrisa
    despiadada de la mujer que esclaviza al hombre.
    Otros se han sentido deslumbrados por su encanto,
    por su dulzura. Es considerada como un retrato de
    Lisa Gherardini o, por el nombre de casada, Monna
    Lisa del Giocondo.
  • Algunas de sus obras son
  • Anciano pensativo
  • La última cena
  • La dama del armiño

LA MONALISA
5
ROBERTO MATTA
  • Nació en Santiago de Chile el día 11 de noviembre
    de 1911. Cursó sus estudios universitarios en la
    Escuela de Arquitectura de la Universidad
    Católica de Chile, complementando sus estudios
    con trabajos relacionados al arte, trabajó
    incluso en la Revista Topaze, en esa epóca pintó
    cuadros al óleo, casi todos extraviados, a
    excepción del dedicado a su "nana" Mercedes. Su
    elección por la arquitectura no fue casual, pues
    era la disciplina "tradicional" más cercana al
    arte.
  • Asistía a clases vespertinas de dibujo a mano
    alzada en la Escuela de Bellas Artes. Ahí fue
    alumno de Hernán Gazmuri, quien venía llegando de
    Europa.
  • En Europa conoció a Breton quien estimuló al
    artista chileno, valorando su trabajo e
    introduciéndolo en el círculo de los principales
    miembros del movimiento surrealista de París.
    Matta produjo ilustraciones y artículos para el
    periódico surrealista Minotaure. Durante este
    período trabó amistad con prominentes artistas
    contemporáneos europeos como Picasso y Marcel
    Duchamp.
  • Un momento decisivo en su carrera artística se
    produce en 1938 cuando pasa del dibujo a la
    pintura en óleo, por la cual es muy famoso. Sus
    primeras pinturas, entre las que destaca Invasión
    nocturna, dieron una indicación de la ruta
    artística tomada por el pintor.
  • El uso de patrones difusos de luz y gruesas
    líneas encima de un fondo particular se
    transformaría en uno de sus sellos
    característicos. Durante las décadas siguientes
    de los 40 y 50 su pintura reflejaría el
    perturbador estado de la política internacional,
    utilizando imágenes de máquinas eléctricas y
    personas atormentadas. Al agregar arcilla a sus
    obras desde los años 1960 en adelante, le agregó
    dimensión a su distorsión.
  • Su trabajo agregó nuevas dimensiones a la pintura
    contemporánea, pese a su ruptura con el
    movimiento surrealista en 1947. Pese a que fue
    readmitido en 1959, su fama ganada es
    exclusivamente personal. Experimentó distintas
    formas de expresión artísticas, incluyendo
    producciones de videos como Système 88, la
    fotografía y otros medios de expresión.
  • En 1990 recibió el Premio Nacional de Arte, en
    1992 se le otorgó el Premio Príncipe de Asturias
    de las Artes y en 1995 obtuvo el Praemium
    Imperiale en la categoría de Pintura. Vivió
    regularmente desde la década de 1960 en la ciudad
    italiana de Civitavecchia, realizando viajes
    esporádicos a su país. Fallecio el 23 de
    noviembre de 2002.

6
  • El uso de patrones difusos de luz y gruesas
    líneas encima de un fondo particular se
    transformaría en uno de sus sellos
    característicos. Durante las décadas siguientes
    de los 40 y 50 su pintura reflejaría el
    perturbador estado de la política internacional,
    utilizando imágenes de máquinas eléctricas y
    personas atormentadas. Al agregar arcilla a sus
    obras desde los años 1960 en adelante, le agregó
    dimensión a su distorsión.
  • Su trabajo agregó nuevas dimensiones a la pintura
    contemporánea, pese a su ruptura con el
    movimiento surrealista en 1947. Pese a que fue
    readmitido en 1959, su fama ganada es
    exclusivamente personal. Experimentó distintas
    formas de expresión artísticas, incluyendo
    producciones de videos como Système 88, la
    fotografía y otros medios de expresión.
  • En 1990 recibió el Premio Nacional de Arte, en
    1992 se le otorgó el Premio Príncipe de Asturias
    de las Artes y en 1995 obtuvo el Praemium
    Imperiale en la categoría de Pintura. Vivió
    regularmente desde la década de 1960 en la ciudad
    italiana de Civitavecchia, realizando viajes
    esporádicos a su país. Fallecio el 23 de
    noviembre de 2002.
  • - Otras de sus obras son
  • Morfología psicológicas(1938-1939)
  • El primer gol del pueblo
    chileno (1971)

La vida Allende la muerte (1973)
7
SALVADOR DALÍ
  • Nació el 11 de mayo de 1904 en la comarca
    catalana del Ampurdán, cerca de la frontera con
    Francia.
  • Se alojó en la célebre Residencia de Estudiantes
    de Madrid para comenzar sus estudios en la
    Academia de San Fernando de Bellas Artes. Fueron
    sus pinturas, en las que Dalí tanteaba el
    cubismo, las que llamaron la atención de sus
    compañeros de residencia, entre los que se
    incluían futuras figuras del arte español, como
    Lorca, Pepín Bello o Buñuel. La maestría de sus
    recursos pictóricos se refleja en su
    impecablemente realista "Cesta de pan", pintada
    en 1926. Dalí absorbía las influencias de muchos
    estilos artísticos, desde el academicismo clásico
    a las vanguardias más rompedoras. Sus influencias
    clásicas pasaban por Rafael, Bronzino, Zurbarán,
    Vermeer, y Velázquez. Alternaba técnicas
    tradicionales con sistemas contemporáneos, a
    veces en una misma obra. Las exposiciones de su
    obra realizadas en Barcelona en aquella época
    atrajeron gran atención, en la que se mezclaban
    las alabanzas y los debates suscitados por una
    crítica dividida.
  • Conoció a su futura esposa Gala, una inmigrante
    rusa, once años mayor que él.
  • En 1931, Dalí pintó una de sus obras más
    célebres, "La persistencia de la memoria" (Los
    relojes blandos), obra en la que según algunas
    teorías ilustró su rechazo del tiempo como una
    entidad rígida o determinista. Esta idea se ve
    apoyada por otras imágenes de la obra, como el
    extenso paisaje, o algunos relojes de bolsillo
    devorados por insectos.28 Los insectos, por otra
    parte, formarían parte del imaginario daliniano
    como una entidad destructora natural.
  • La exposición de algunas obras de Dalí levantó un
    enorme revuelo en Nueva York. En 1936 Dalí
    participó en una exposición surrealista, esta vez
    de índole internacional, celebrada en Londres. El
    mecenas de Dalí era el muy adinerado Edward
    James, que había colaborado generosamente al
    ascenso del artista comprándole numerosas obras y
    prestándole dinero durante dos años. Se
    convirtieron en buenos amigos, tanto es así que
    James aparece en la pintura de Dalí "Cisnes
    reflejando elefantes". Colaboraron igualmente en
    la creación de dos de los iconos más
    representativos del movimiento el
    teléfono-langosta y el sofá de los labios de Mae
    West.
  • La posguerra abrió para Dalí una nueva etapa
    artística, caracterizada por el virtuosismo
    técnico y el recurso a ilusiones ópticas. Su
    aproximación al catolicismo se fue haciendo más
    marcada, influida quizás por la conmoción causada
    por la bomba de Hiroshima y el amanecer de la era
    nuclear. Su intención parecía ser la síntesis de
    la iconografía cristiana con imágenes en
    descomposición relacionadas con la física
    nuclear, como se desprende de obras como
    "Crucifixión (Corpus Hypercubus)". Bajo la
    clasificación de "misticismo nuclear" se incluyen
    también "La gare de Perpignan"(1965) y "El torero
    alucinógeno"(1968-1970). En 1960, Dalí empezó a
    trabajar en un teatro y museo personal,
    levantados sobre su casa natal en Figueras.

8
  • Con 76 años, el estado de Dalí era lamentable, y
    su mano sufría constantes temblores que
    evidenciaban el progreso de la Enfermedad de
    Parkinson.
  • Gala murió en 1982, y Dalí perdió su entusiasmo
    por vivir. En 1988, Dalí fue ingresado a raíz de
    un serio fallo cardíaco, y fue visitado por el
    Rey Juan Carlos I, quien le confesó que siempre
    había sido un fiel admirador de su obra.
  • El 23 de enero de 1989 murió a causa de una
    parada cardiorrespiratoria en Figueras, con 84
    años, y cerrando el círculo fue enterrado en la
    cripta de Figueras, situada en su casa-museo.

Mural del Teatro en el Museo Dalí de Figueras
9
VINCENT VAN GOGH
  • Nació en Zundert Brabante Septentrional, el 30 de
    marzo de 1853. En mayo de 1875 se fue a París,
    donde creció su amor por el arte.
  • En 1873 se fue a Londres donde tuvo su primer
    enamoramiento pero la chica le rechazó. En 1876
    le aumentó su fanatismo religioso, probablemente
    como un refugio a sus fracasos laborales y
    amorosos. Se inscribió en la Academia de Bellas
    Artes donde estudió dibujo y perspectiva. En esta
    época realizó esbozos y dibujos basados en las
    pinturas de Jean-François Millet, representando
    personajes de campesinos y mineros, modelos de la
    vida cotidiana, y pintándolos muy realistas y con
    tonalidades oscuras.En La Haya, su primo, pintor
    de acuarelas Anton Mauve, le dio buenos consejos
    y le insistió en la importancia del aprendizaje
    de la perspectiva y el dibujo. Vincent realizó
    las primeras acuarelas y naturalezas muertas,
    utilizando tonos apagados, como lo demuestra las
    dos acuarelas Los pobres y el dinero (1882) y
    Naturaleza muerta con col y zuecos (1881).
  • Recogió de la calle a Sien Hoornik, una
    prostituta alcohólica, embarazada y con una hija,
    con la que vivió durante un año tanto la madre
    como la hija le sirvieron de modelo. Sien, por la
    falta de recursos económicos, había vuelto a
    ejercer la prostitución y esto, unido a la gran
    presión que padecía Van Gogh por parte de su
    familia, hizo que esto fracasara. Luego pintó
    temas paisajistas en pintura al óleo y como
    quería plasmar todos los detalles, realizó los
    óleos con trazos gruesos y pinceladas espesas.
  • Coincidió con un amigo suyo Anthon van Rappard y
    los dos juntos pintaron a los tejedores rurales.
    En la pintura El tejedor en el telar, de 1884,
    expresa la dureza y el esfuerzo de este oficio,
    pero también la dignidad del personaje, aquí Van
    Gogh demuestra la solidaridad y su identificación
    con el protagonista. En 1884, surgió un nuevo
    enamoramiento, ahora con Margot Begemann, diez
    años mayor que Vincent, que le acompañaba en sus
    salidas pictóricas por el campo. Pensaron casarse
    pero la familia de ella se opuso y ella llegó a
    intentar suicidarse. Pintó una de sus grandes
    obras Los comedores de patatas. Hasta entonces
    sus esfuerzos se habían centrado siempre en la
    representación de una figura, en esta obra se
    encontró con la dificultad de tener que coordinar
    cinco personajes y conseguir relacionarlos. Para
    ello contrató modelos, y realizó diversos esbozos
    de dibujos de las figuras y estudios sobre
    detalles. Los colores empleados de tonos terrosos
    no contribuyeron a una fusión armoniosa con el
    fondo.
  • El cuadro Naturaleza muerta con biblia, estuvo
    pintada antes de su partida hacia Amberes.
  • Realizó tres retratos de Julien Tanguy, llamado
    por todos los artistas Père Tanguy. También
    dibujo cuatro pinturas sobre girasoles primero
    con tres flores, después con cinco, hasta llegar
    a la de los doce girasoles sobre un fondo azul, y
    otro con quince girasoles sobre fondo amarillo.
  • Su amigo Gauguin y el pintaron juntos, además de
    pintarse mutuamente, Gauguin pintó de perfil a
    Van Gogh y éste pintó a Gauguin de espaldas.

10
Con el paso de las semanas, la convivencia de los
dos artistas fue empeorando y en diciembre de
1888, Van Gogh y Gauguin tuvieron un altercado
que dio origen a una de las explicaciones que se
han dado acerca de la pérdida de parte de la
oreja Vicent. Al regresar a su casa Van Gogh
pintó el Autorretrato con oreja vendada,
mostrando toda la parte derecha de la cabeza con
una venda. Los últimos años fue recluido en
sanatorios mentales de forma voluntaria. Uno de
los primeros cuadros allí, fue Iris, donde
muestra una gran vitalidad rítmica y una gran
conjunción de colores. En esta época su pintura
se caracteriza por la presencia de remolinos,
como se puede observar en una de sus pinturas más
conocidas, La noche estrellada. Durante los
últimos treinta meses de vida llegó a realizar
500 obras y en sus últimos 69 días firmó hasta 79
cuadros. Su depresión empeoró y el 27 de julio de
1890, mientras paseaba por el campo, con un
revólver se disparó un tiro en el pecho. No se
dio cuenta de que su herida era mortal y volvió a
la pensión Ravoux, donde murió dos días
después. Otras de sus obras son La casa
amarilla (1888) Melocotonero en flor
(1888) Mujer en el Café de Tambourin (1887)
Acequia (1872-73), dibujo juvenil de Van Gogh (La
Haya).
11
HENRI DE TOULOUSE-LAUTREC
  • Nació en el castillo de Albi en el seno de una
    familia de la nobleza. Su infancia fue feliz
    hasta que, como consecuencia de la consanguinidad
    de sus padres, Toulouse-Lautrec padeció una
    enfermedad que afectaba al desarrollo de los
    huesos y que comenzó a manifestarse en él en
    1874, y que le impidío crecer más, alcanzando una
    altura de 1,52 m.
  • Toulouse-Lautrec decidió ser pintor, y, con el
    apoyo de su tío Charles y unos pintores amigos de
    la familia, como Princetau, John Lewis Brown y
    Jean-Louis Forain. En París fue alumno de Léon
    Bonnat, que era un retratista de moda, y, cuando
    se cerró el taller de Bonnat en septiembre de
    1882, tuvo que buscar un nuevo maestro, Fernand
    Cormon. En el estudio de Cormon se hizo amigo de
    Vincent van Gogh.
  • Todo lo relacionado con la prostitución,
    constituyó uno de los temas principales en sus
    obras. En los bajos fondos de París pintaba a los
    actores, bailarines, burgueses y prostitutas. A
    éstas las pintaba mientras se cambiaban, cuando
    acababan cada servicio o cuando esperaban una
    inspección médica.
  • Al contrario que los artistas impresionistas,
    apenas le interesó el género del paisaje, y
    prefirió ambientes cerrados, iluminados con luz
    artificial, que le permitían jugar con los
    colores y encuadres de forma subjetiva. Fue
    reconocido, si bien su popularidad radicó en sus
    ilustraciones para revistas y carteles
    publicitarios de locales más que en la pintura al
    óleo.
  • Tuvo grandes amigos como la bailarina Jane Avril,
    a la cual dedicó varios cuadros, Valentín el
    descoyuntado, payasos y demás personajes de las
    fiestas y espectáculos por los suburbios. Este
    mundillo de vicio y extravagancia fue un refugio
    para Lautrec, quien se sentía rechazado por la
    nobleza a la que pertenecía por origen. Criticaba
    a todos aquellos que reflejaban paisajes en sus
    cuadros, ya que él opinaba que lo que
    verdaderamente valía la pena eran las personas,
    el pueblo. Se consideraba a sí mismo un cronista
    social y se mezcló, pintó y fue como el pueblo.
  • En la década de los 90 viajó hasta Londres donde
    conoció y retrató a Oscar Wilde.
  • El alcoholismo deterioró su salud. Y a partir de
    1897 padeció manías, depresiones y neurosis,
    además de ataques de parálisis en las piernas y
    en un costado, hasta que en 1899 lo internaron en
    un sanatorio mental. Allí realizó una colección
    de pinturas sobre el circo.
  • Le dejaron ir a casa de su madre en las
    posesiones de ésta cerca de Burdeos, y el 9 de
    septiembre de 1901 murió postrado en su cama.

12
  • Otras de sus obras son
  • El joven Routy en Céleyran (óleo sobre tela,
    1882)
  • La gorda Marie (óleo sobre tela, 1884)
  • Retrato de Vincent van Gogh (pastel sobre
    cartón, 1887)

Baile en el Moulin Rouge (óleo sobre tela, 1890)
13
EDVARD MUNCH
  • Nació el 12 de diciembre de 1863 en Löten,
    Noruega. En el año 1879 comienza la carrera de
    ingeniería pero unos años mas tarde lo deja para
    empezar su carrera artística que le abrió el
    camino al desarrollo del expresionismo, hasta que
    en el año 1881 vende dos cuadros y pinta su
    primer autorretrato. Christian Krohg, una figura
    importante en la redacción de la constitución de
    1814 fue un maestro esencial para Munch.
    Participó por primera vez en la exposición de
    otoño de Oslo donde estableció relaciones con el
    circulo de literatos y artistas de Cristiania.
  • En 1885 participó en la Feria Mundial de Amberes.
    Tras una primera influencia de la pintura
    impresionista y postimpresionista comienza a
    pintar tres de sus obras capitales El día
    siguiente, Pubertad y La niña enferma la cual
    causa un escándalo en la Exposición de Otoño de
    Oslo en el año 1886.
  • No tardó en crear un estilo sumamente personal,
    basado en acentuar la fuerza expresiva de la
    línea, reducir las formas a su expresión más
    esquemática y hacer un uso simbólico, no
    naturalista, del color, y de ahí su clasificación
    como pintor simbolista. En su primera exposición
    individual con 110 cuadros en Oslo hizo que una
    parte del público lo aclamara con entusiasmo. En
    el año 1890 la influencia del Neoimpresionismo en
    sus obras fue muy notoria. Ese mismo año recibe
    su segunda beca estatal. Un año mas tarde comenzó
    a desarrollar los motivos del Friso de la vida
    ciclo pictórico que incluye muchas de sus obras
    más conocidas que en su conjunto pretenden dar
    una visión unitaria de la vida, dibuja
    ampliamente las memorias personales de Munch. Su
    exposición en Berlín tuvo que ser retirada por el
    escándalo que suscitó y que dio pie a la creación
    de la Secesión Berlinesa, asociación de artistas
    dirigida por el gobierno conservador de Berlín.
    En 1893 entabla relaciones con la tertulia del
    Cochinillo negro lugar frecuentado por los
    artistas de la época. Ese mismo año pinta El
    grito una de las obras más importantes de Munch,
    que refleja la enfermedad, la muerte y la
    obsesión religiosa que llenaron su infancia y su
    juventud como la gran mayoría de sus obras.
  • Llega a un estilo completamente nuevo que Munch
    desarrollaría en el Friso de la Vida en que
    destacaríamos cuadros como Pubertad, que refleja
    por primera vez una asociación entre miedo y
    sexualidad Melancolía, serie sobre la plenitud y
    el fin del amor al igual que Celos. Munch termina
    con estos ciclos del Friso de la Vida en el año
    1900 y empieza a exponerlos en 1902 y en 1905 en
    Praga, intenta plasmar un terreno más
    tradicional. Retratos, paisajes y pinturas de
    estudio le preocupan cada vez más.
  • En 1903 realiza su primera exposición en la
    Galería Cassirer en Berlín, un año mas tarde cede
    los derechos de venta en Alemania a Cassirer de
    grabados y a la Galería Cometer de Hamburgo de
    óleos con varias exposiciones y toma parte en el
    Salon des Indépendants. Este periodo de tiempo
    fue cuando Munch empezó a alcanzar su éxito como
    artista, realiza numerosas exposiciones como en
    Copenhague y en la Galería Cassirer, también La
    Academia de Bellas Artes de Weimar pone un
    estudio a su disposición. En 1918 publica un
    panfleto del Friso de la vida en el que incluye
    sus obras maestras.

14
  • Los siguientes años Munch decide retirarse un
    poco, recibe numerosos honores con ocasiones de
    su septuagésimo aniversario ya que una enfermedad
    de los ojos en el año 1930 le hace casi imposible
    trabajar. Tuvo una mala época como pintor ya que
    el gobierno nacionalsocialista confiscó 82
    cuadros suyos de los museos alemanes. Sus
    pinturas fueron consideradas como degeneradas, ya
    que la mayoría plasmaban la muerte o temas que en
    aquella época resultaban muy polémicos. En 1940
    con la invasión del régimen Nazi a Noruega le
    retiraron muchos de sus cuadros de las galerías
    de arte porque pensaban que escandalizaban a sus
    visitantes.
  • Durante la segunda Guerra Mundial Munch se hace
    mundialmente conocido y expone por primera vez
    sus cuadros en los Estados Unidos de América. Con
    motivo de su 80 cumpleaños es objeto de grandes
    homenajes.
  • El 23 de enero de 1944 muere en Noruega como
    había vivido completamente solo.
  • Sus principales obras son
  • El Grito (1893)
  • Muchachas en el Muelle (1899)
  • Pubertad (1894-1895)

Melancolía,1894-95
15
ÉDOUARD MANET
  • Nació en París el 23 de enero de 1832, en una
    familia acomodada. Hacia 1850, decide dedicarse
    al arte y pasa casi seis años como alumno de
    Thomas Couture, del que aprendió que para ser un
    gran maestro hay que escuchar las enseñanzas de
    los que lo han sido en el pasado. Desde 1853
    hasta 1856 Manet se dedicó a viajar por Italia,
    los Países Bajos, Alemania y Austria, copiando a
    los grandes maestros.
  • El 28 de octubre de 1863 contrajo matrimonio con
    la pianista holandesa Suzanne Leenhoff. En agosto
    de 1865 emprendió un viaje por España, organizado
    por su amigo Zacharie Astruc, en el que descubrió
    la pintura barroca española, en particular a
    Velázquez, que tendrá una enorme influencia en su
    obra.
  • En 1867 empezó a trabajar en una serie de
    pinturas de contenido político, que reflejaban la
    ejecución del emperador Maximiliano I de México,
    entre ellas una litografía que fue prohibida por
    la censura a causa de las ideas republicanas del
    pintor. Otra de las pinturas de esta serie fue
    presentada al Salón en 1869 a pesar de la
    negativa a exponer el cuadro, Manet, que
    continuaba buscando para su pintura el
    reconocimiento oficial, no retiró del certamen
    otra de sus obras, El balcón, que sí había sido
    admitida.
  • Manet empezó a adoptar las técnicas
    impresionistas si bien rehusará participar en las
    exposiciones colectivas. En cambio, organiza una
    exposición de sus obras en su propio taller de la
    parisina calle de St. Petersboug, que gozó de
    bastante popularidad.
  • Hacia 1880, su salud empezó a deteriorarse a
    causa de un problema circulatorio crónico, que no
    mejoró a pesar de someterse a tratamientos de
    hidroterapia en Bellevue. En esta época fue
    reconocido su talento con una medalla de segunda
    clase concedida por el Salón, y fue nombrado
    también Caballero de la Legión de Honor.
  • El 20 de abril de 1883, a causa de su enfermedad,
    le fue amputada la pierna izquierda y diez días
    más tarde falleció a los 51 años de edad.
  • En febrero de 1884 se pusieron a la venta todas
    las obras de su taller en el Hôtel Drouot a la
    venta acudieron los pintores impresionistas, que
    adquirieron muchas de las obras se vendieron 159
    cuadros por un total de 116.637 francos, quedando
    Olympia entre las obras que no fueron compradas.

16
  • Algunas de sus obras son
  • Olympia
  • El pífano (Le Joueur de fifre)
  • Retrato de Émile Zola

Le déjeuner sur l'herbe (El desayuno sobre la
hierba), 1863
17
DIEGO VELÁZQUEZ
  • Nació en Sevilla en 1599. Entre 1611 y 1617
    trabajó como aprendiz en el taller del que sería
    su futuro suegro, Pacheco. Durante sus años de
    aprendizaje, Velázquez aprendió el naturalismo
    tenebrista imperante en su época, derivado del
    realismo italiano y del flamenco.
    Las obras más tempranas de Velázquez, realizadas
    entre los años 1617 y 1623, pueden dividirse en
    tres categorías el bodegón, retratos y escenas
    religiosas. Muchas de sus primeras obras tienen
    un marcado acento naturalista, como La comida,
    que puede considerarse como la primera obra
    independiente del maestro.
  • Fue también un pintor conocido en los círculos
    intelectuales de Sevilla, uno de los cuales, la
    Academia de Artes, fue dirigida de manera
    informal por Pacheco. Pintó un retrato del rey
    Felipe IV (1623) y el monarca le nombró su pintor
    de cámara. Este lienzo fue el primero de una
    serie de retratos soberbios y directos, no sólo
    del rey, sino también de la familia real y otros
    miembros de la corte, ya que, realmente, su
    principal ocupación en la corte era la de
    retratar, aunque también abordó temas
    mitológicos, como El triunfo de Baco,
    popularmente llamado Los borrachos (1628-1629).
    Esta escena de bacanal en un paisaje abierto, en
    la que el dios del vino bebe junto a los
    borrachos, atestigua el interés del artista por
    el realismo.
  • Estudió de cerca el arte del renacimiento y de la
    pintura italiana de su tiempo. Algunas de las
    obras realizadas durante sus viajes dan muestra
    de la asimilación de estos estilos un ejemplo
    representativo es su La túnica de José (1639) y
    La fragua de Vulcano (1630), que combinan los
    efectos escultóricos miguelangelescos con el
    claroscuro de maestros italianos tales como
    Guercino y Giovanni Lanfranco.
  • En 1634 llevó a cabo el programa decorativo del
    Salón de Reinos en el nuevo palacio del Buen
    Retiro. Constaba de 12 escenas de batallas, junto
    a retratos ecuestres en los que las tropas
    españolas habían resultado victoriosas y incluyó
    en este ciclo de batallas el cuadro titulado Las
    lanzas o La rendición de Breda (1634), que
    retrata al comandante genovés Spínola, después de
    sitiar las ciudades del norte en el año 1625,
    recibiendo las llaves de la ciudad de manos del
    gobernador. La delicadeza en la asombrosa manera
    de ejecución la convierte en una de las
    composiciones históricas más célebres del arte
    barroco español.
  • Perteneciente a la década de los últimos años de
    1630 y principios de 1640 son los famosos
    retratos de enanos de corte que reflejan el
    respeto y la simpatía con que eran tratados en
    palacio. Velázquez pintó pocos cuadros
    religiosos, entre ellos destacan el Crucificado,
    La coronación de la Virgen y San Antonio Abad y
    san Pablo primer ermitaño.
  • Durante su estancia en Roma (1649-1650) pintó el
    magnífico retrato de Juan de Pareja, así como el
    inquietante y profundo retrato del papa Inocencio
    X. Al poco tiempo fue admitido como miembro en la
    Academia de San Lucas de Roma. Su elegante Venus
    del espejo data probablemente de esta época.

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  • Las obras clave de las dos últimas décadas de la
    vida de Velázquez son Las hilanderas o La fábula
    de Aracne, composición sofisticada de compleja
    simbología mitológica, y una de las obras
    maestras de la pintura española, Las Meninas o La
    familia de Felipe IV (1656) que constituye un
    imponente retrato de grupo de la familia real con
    el propio artista incluido en la escena.
    Velázquez continuó trabajando para el rey Felipe
    IV, como pintor, cortesano y fiel amigo hasta su
    muerte, acaecida en Madrid el 6 de agosto de
    1660. Su obra fue conocida y ejerció una
    importante influencia en el siglo XIX, cuando el
    Museo del Prado la expuso en sus salas.

El triunfo de Baco, conocida como los borrachos
(1628-29)
19
PABLO PICASSO
  • Nació en Málaga el 25 de octubre de 1881. A los
    quince años aprobó con brillantez los exámenes de
    ingreso en la Escuela de Bellas Artes de
    Barcelona, con su gran lienzo Ciencia y caridad,
    que representa, dentro aún de la corriente
    academicista, a un médico, una monja y un niño
    junto a la cama de una mujer enferma ganó una
    medalla de oro.
  • Los temas de la obra de Edgar Degas y
    Toulouse-Lautrec ejercieron una gran influencia
    sobre Picasso. El cuadro Habitación azul refleja
    el trabajo de ambos pintores y su evolución hacia
    el periodo azul, así llamado por el predominio de
    los tonos azules en las obras que realizó durante
    estos años. En ellas reflejará la miseria humana,
    con trabajadores extenuados, mendigos,
    alcohólicos y prostitutas, representados con
    cuerpos y formas ligeramente alargadas,
    recordando el estilo de El Greco.
  • Conoce a su primera compañera, Fernande Olivier,
    y cambió su paleta hacia tonos rosas y rojos. Sus
    temas se centraron en el mundo del circo creando
    obras como Familia de acróbatas.
  • En 1906, el célebre retrato de Gertrude Stein
    revela un tratamiento del rostro en forma de
    áscara. La obra clave de este periodo es Las
    señoritas de Avignon, tan radical en su estilo
    que no fue entendido por los críticos y pintores
    vanguardistas de aquel momento. Frente a la
    pintura tradicional, rompe en esta obra con la
    profundidad espacial y la forma de representación
    ideal del desnudo femenino, reestructurándolo por
    medio de líneas y planos cortantes y angulosos.
  • Inspirados por el tratamiento volumétrico de las
    formas pictóricas de Cézanne, Picasso y Braque
    pintaron una serie de paisajes dentro de un
    estilo que un crítico describió después como si
    hubieran sido hechos a base de pequeños cubos,
    imponiéndose así el término cubismo. Los temas
    favoritos de Picasso fueron los instrumentos
    musicales, las naturalezas muertas y sus amigos,
    entre los que destaca el retrato de uno de sus
    marchantes. En 1912 realiza su primer collage,
    Naturaleza muerta con silla de paja, combinando
    pasta de papel y un trozo de hule sobre un lienzo
    pintado sólo en algunas zonas, que representa un
    vaso, un periódico, una pipa, una ostra y un
    limón.
  • Dos obras de 1915 demuestran la simultaneidad de
    estilos que utilizó Arlequín (1923) es un cuadro
    cubista sintético, mientras que un dibujo de su
    marchante, Vollard, está realizado dentro de lo
    que se conoce como estilo ingrista..
    Durante la I Guerra Mundial conoció a la
    bailarina Olga Koklova, con la que se casó poco
    después. Dentro de un estilo realista,
    figurativo, en torno a 1917 Picasso la retrató en
    varias ocasiones, al igual que a su único hijo
    legítimo, Pablo y a sus numerosos amigos. A
    comienzos de la década de 1920 pintó una serie de
    cuadros con figuras robustas, pesadas,
    escultóricas, como por ejemplo Tres mujeres en la
    fuente y obras inspiradas en la mitología, como
    Las flautas de pan.
  • Al mismo tiempo creó también extraños cuadros de
    bañistas inflados e informes, con cabezas muy
    pequeñas y grandes cuerpos, así como retratos de
    mujeres en actitudes violentas, convulsas,
    indicando a menudo con ellas sus propias
    tensiones vitales.

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  • Aunque siempre declaró que no era surrealista, en
    muchos de sus cuadros se pueden apreciar
    cualidades y características propias de este
    movimiento artístico, como en Mujer durmiendo en
    un sillón y Bañista sentada.
  • Varios cuadros cubistas de 1930 reflejan el
    placer y la pasión de Picasso por su nuevo amor,
    Marie Thérèse Walter, con la que tuvo a su hija
    Maya en 1935. Fue la modelo del famoso cuadro
    Muchacha ante el espejo. En 1935 Picasso llevó a
    cabo la serie de grabados Minotauromaquia,
    trabajo en el que mezcla los temas del minotauro
    y las corridas de toros en esta obra, tanto la
    figura del toro como la del caballo destripado
    anuncian las imágenes del Guernica, el gran mural
    considerado por la mayoría como una de las obras
    artísticas individuales más importante del siglo
    XX.
  • El estallido y posterior desarrollo de la
    II Guerra Mundial contribuyeron a que la paleta
    de Picasso se oscureciera y a que la muerte fuera
    el tema más frecuente en la mayor parte de sus
    obras, por ejemplo, en Bodegón con calavera de
    buey y en El osario. Conoce a la pintora
    Françoise Gilot, con la que tendrá dos hijos,
    Paloma y Claude ambos aparecerán retratados en
    numerosas obras que recuperan los primeros
    estilos de Picasso. Su última compañera
    sentimental fue Jacqueline Roque, a la que
    conoció en 1953 y con la que se casó en 1961.
    También pintó su imagen en bastantes ocasiones,
    como en Jacqueline sentada. Desde entonces
    residió casi siempre en el sur de Francia.
  • Muchos de los últimos cuadros de Picasso están
    basados en las obras de los grandes maestros del
    pasado como Velázquez, Courbet, Delacroix y
    Manet.
  • Hizo también importantes esculturas El hombre
    del carnero, un bronce a tamaño natural, y La
    cabra, también en bronce, obra de enorme fuerza.
    A lo largo de toda su vida la obra de Picasso se
    expuso en innumerables ocasiones. La más inusual
    de ellas fue la que le dedicó el Louvre en 1971
    con motivo del 90 cumpleaños del artista hasta
    entonces nunca se había expuesto en el museo
    parisino la obra de ningún artista vivo. Picasso
    murió el 3 de abril de 1973 en Notre-Dame-de-Vie.

Autorretrato (1906) Algunas de sus obras
son Casagemas muerto (1901)
Guernica Las señoritas de Avignon
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BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO
  • Nació en 1617 en la ciudad de Sevilla. Se formó
    en el taller de su pariente Juan del Castillo,
    respetado artista en Sevilla, donde pronto
    comenzó a destacar de entre sus discípulos. A los
    14 años de edad pintaba pequeños cuadros, o bien
    hacía dibujos para las comunidades religiosas.
  • A los 22 años decidió establecer un taller de
    pintura barata que le permitía vender cuadros
    sobre todo en las ferias de los pueblos, pero a
    pesar de que se vendían bien, esto no terminaba
    de satisfacer al artista, tanto es así que tras
    conocer copias de Antoon van Dyck, traídas a
    Sevilla por Pedro Moya, surgió en él un fuerte
    deseo de perfeccionar su pintura. Conoció bien la
    pintura flamenca. Su pintura recogió asuntos de
    sentido social y de estética naturalista en sus
    grandes temas, como los niños mendigos o las
    escenas de la infancia de Cristo. También cultivó
    una pintura suave de gusto burgués y
    aristocrático, como demuestran sus obras
    religiosas.
  • En 1645 pintó trece lienzos para el claustro de
    San Francisco el Grande de Sevilla. Se casó ese
    mismo año con Beatriz Cabrera, con la que tendrá
    nueve hijos. Empezará a especializarse en los dos
    temas que más fama le han proporcionado, las
    vírgenes con niño y las Inmaculadas.
  • En 1660 intervino en la fundación de la Academia
    de Pintura, cuya dirección compartió con Herrera
    el Mozo. Recibió importantes encargos, como el
    retablo del Monasterio de San Agustín los
    cuadros para Santa María la Blanca, concluidos en
    1665 las pinturas para el retablo mayor y los
    altares de las capillas laterales de la Iglesia
    del Convento de Capuchinos de Sevilla, uno de sus
    más importantes conjuntos pictórico, y Santo
    Tomás de Villanueva repartiendo limosna también
    para los capuchinos de Sevilla o los cuadros
    sobre las obras de misericordia para el Hospital
    de la Caridad. Murillo destacó también como
    creador de tipos femeninos e infantiles del
    candor de La muchacha con flores al realismo vivo
    y directo de sus niños de la calle, pilluelos y
    mendigos, que constituyen un prodigioso estudio
    de la vida popular. Después de una serie dedicada
    a la Parábola del hijo pródigo, se le encomendó
    la decoración de la iglesia del convento de los
    capuchinos de Cádiz, de la que sólo concluyó los
    Desposorios de santa Catalina, ya que falleció
    mientras trabajaba en ella, a consecuencia de una
    grave caída desde un andamio, aunque no en el
    acto, ya que sobrevivió al accidente unos meses
    más.
  • A petición del propio pintor, el día 4 de abril
    de 1682 (un día después de su muerte) fue
    enterrado en la primitiva Iglesia de Santa Cruz,
    iglesia que desapareció durante la ocupación
    francesa y aunque más tarde volvería a ser
    levantada una nueva, el solar de la antigua es
    ocupado hoy día por la Plaza de Santa Cruz, bajo
    la cual, y en lugar ignorado, descansan los
    restos de Bartolomé Esteban Murillo.

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  • Algunas de sus obras son
  • La Virgen del Rosario
  • Mujeres en la ventana
  • La Anunciación

El mendigo o Joven mendigo (1650)
23
CLAUDE MONET
  • Nació en París el 14 de noviembre de 1840, aunque
    pasó la mayor parte de su niñez en El Havre,
    donde estudió dibujo en su adolescencia y pintó
    marinas al aire libre con Eugène Louis Boudin.
    Hacia 1859 había decidido comenzar su carrera de
    artista y para ello pasaba largas temporadas en
    París. En 1860 se le asoció con el pintor
    pre-impresionista Édouard Manet y con otros
    pintores franceses que más tarde formarían la
    escuela impresionista Camille Pissarro, Pierre
    Auguste Renoir y Alfred Sisley.
  • Pintaba, trabajando al aire libre, paisajes y
    escenas de la sociedad burguesa contemporánea, y
    así comenzó a tener éxito en las exposiciones
    oficiales. Pero a medida que su estilo
    evolucionaba, comenzó un proceso de trasgresión
    de los convencionalismos artísticos tradicionales
    en beneficio de una expresión artística más
    directa. Sus experimentos al aire libre se hacían
    cada vez más audaces, buscando plasmar la luz del
    día por medio de la aplicación libre de colores
    brillantes. De este modo, deliberadamente le dio
    la espalda a la posibilidad de una brillante
    carrera como pintor convencional en la línea del
    arte oficial.
  • En 1874 Monet y sus colegas decidieron organizar
    sus propias exposiciones, denominandose a sí
    mismos independientes. Las composiciones de Monet
    de este periodo poseen una estructura bastante
    libre, aplicando el color con cortas y vigorosas
    pinceladas. Esta técnica viene determinada por la
    espontaneidad e inmediatez que exige la pintura
    al aire libre a la hora de captar una impresión
    de la naturaleza.
  • Para poder pintar sobre el agua, acondicionó su
    estudio sobre una barca, como constató Manet en
    el cuadro titulado Claude Monet en su estudio
    flotante. De esta forma realizó la magnífica
    serie de regatas en el Sena, que marcó su
    vocación definitiva de pintor de la luz y la
    atmósfera en sus aspectos más fugaces.
  • A mediados de 1880 Monet, considerado el
    dirigente de la escuela impresionista, había
    alcanzado un reconocimiento importante y una
    buena posición económica. A pesar de la audacia
    de su colorido y de la extrema simplicidad de sus
    composiciones, se le valoró como un maestro de la
    observación meticulosa, un artista que no
    sacrificó ni las complejidades reales de la
    naturaleza ni la intensidad de sus propios
    sentimientos.
  • En 1906 comenzó a pintar las series del estanque
    con nenúfares que están expuestas en la Orangerie
    de París, en el Instituto de Arte de Chicago y en
    el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Durante
    estos años también trabajó en otras series de
    pinturas, grupos de obras que representan el
    mismo tema representando las diferentes luces de
    las horas del día o en las distintas estaciones
    del año. Monet afirmó en reiteradas ocasiones que
    estas series perdían por completo su significado
    si los lienzos que las componían se contemplaban
    por separado, y que era necesario admirar varias
    versiones, diversas y complementarias, de cada
    una de ellas.

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  • Monet continuó pintando, a pesar de que la vista
    le fallaba, casi hasta el momento de su muerte,
    ocurrida el 5 de diciembre de 1926 en Giverny.
    Las obras realizadas en sus últimos años
    supusieron una evolución peculiar de su arte, del
    que la serie titulada Ninfeas constituye la
    culminación. La figura humana es abandonada y la
    naturaleza se recrea con una visión distorsionada
    por la enfermedad, dando como resultado obras de
    gran formato con un estilo más suelto y un
    aspecto abstracto de extraordinaria intensidad
    pictórica.
  • La obra de Claude Monet no sólo domina el
    impresionismo sino que se adelanta a las
    corrientes más vanguardistas de la primera mitad
    del siglo XX. Su importancia ha sido decisiva en
    el desarrollo de la abstracción lírica, y su
    influencia poderosa en artistas como Kandinsky o
    el francés Jean Fautrier.
  • Algunas de sus obras son
  • El Desayuno (1865/1866)
  • Mujeres en el jardín (1866)
  • La playa de Trouville (1870)

Camille con vestido verde (1866)
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TIZIANO
  • Nació en Pieve di Cadore, al norte de Venecia, en
    1477.
  • Realiza en 1511 los frescos de los Milagros de
    san Antonio para la Scuola del Santo. Estas
    narraciones demuestran su capacidad para dotar a
    las figuras de un sentimiento de aflicción
    convincente, de vida impulsiva, al tiempo que
    ordena los hechos con realismo en el marco de
    paisajes de gran viveza. Tiziano poco a poco
    enriqueció el idílico estilo de Giorgione. Los
    cuerpos y los objetos adquieren progresivamente
    una sensual densidad y esplendor, los paisajes se
    vuelven más resonantes, la gama cromática gana en
    intensidad y profundidad pero también en armonía
    como se observa en Las tres edades del hombre y
    Amor divino y amor profano. El proceso culminó en
    las bacanales que Tiziano pintó para el duque
    Alfonso dEste en una estancia de su palacio de
    Ferrara entre 1518 y 1522. Estas obras se
    consideran las más famosas e influyentes del
    renacimiento.
  • Las dinámicas vibraciones de estas piezas tienen
    su paralelo en su obra de temática religiosa
    correspondiente al mismo periodo, una de las más
    importantes la Asunción de la Virgen (1516-1518)
    sobre el altar de Santa María dei Frari en
    Venecia, que destaca por la maestría en la
    composición y movimientos de un nutrido número de
    personajes tratados con un sorprendente sentido
    de la monumentalidad. Destaca también su fuerte
    colorido y luz dorada. Al destaparse la obra
    causó una gran sensación. La misma tónica de
    monumentalidad se observa en la Virgen de Pésaro
    (1519-1526) del mismo templo, donde Tiziano
    realiza un cambio crucial en el modelo
    renacentista de sacra conversazione, situando a
    la Virgen, tradicionalmente colocada en el centro
    de la composición, en la parte derecha del
    cuadro, y pintando tras ella dos enormes columnas
    en perspectiva que se elevan más allá del espacio
    pictórico. Este nuevo esquema abrió el camino del
    estilo barroco por su sentido de movimiento y de
    infinito. La más dinámica de las obras de Tiziano
    de este periodo fue la colosal Muerte de san
    Pedro mártir (1530, destruida), en donde la
    acción violenta encuentra eco en la convulsión de
    los árboles y del cielo.
  • Sus obras de 1530 están traspasadas por una
    relativa serenidad, sutileza y refinamiento
    cromático, como se observa en su Venus de Urbino
    (1538-1539). Un nuevo ímpetu de energía se plasma
    en La batalla de Cadore y en tres grandiosas
    pinturas de techos (1543-1544), en las que
    escorzos violentos y figuras titánicas indican el
    conocimiento del estilo manierista por parte del
    pintor. Tiziano es un retratista de primera
    calidad. En 1516 había sido nombrado pintor
    oficial de la República veneciana, y trabajó
    después en las cortes de Ferrara y Mantua. En
    1530 y 1540 viajó a Bolonia para realizar los
    retratos del emperador Carlos V y del papa Pablo
    III.
  • Tiziano crea como retratista un tipo de
    descripción solemne y opulenta, realizando una
    síntesis entre la captación de la psicología y
    temperamento del personaje y la atención a los
    detalles de vestuario y al escenario, que definen
    a su vez la categoría social de la persona
    retratada.

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  • Entre sus numerosos retratos cabe destacar el del
    Caballero del guante, el famoso Autorretrato
    (1560-1566), Carlos V en la batalla de Mühlberg
    (1548), los dos de Felipe II, La emperatriz
    Isabel de Portugal (1548), y el del Marqués del
    Vasto arengando a sus tropas.
  • A partir de 1550 su estilo cambia. Sus obras
    pierden de forma gradual solidez, diluyéndose
    parcialmente en vagas texturas y pinceladas
    vibrantes, a la vez que el color se hace más
    intenso, como en La ninfa con el pastor y El
    rapto de Europa. El punto culminante se alcanza
    en la violenta Muerte de Acteón, con su tonalidad
    broncínea y texturas espejeantes. De mayor
    profundidad es Marsias desollado. Dentro del
    capítulo de la fábula pagana llevada a sus
    máximos extremos de sensualidad y magnífica
    interpretación del desnudo femenino tenemos Danae
    recibiendo la lluvia de oro, uno de los más
    hermosos desnudos salidos de su pincel Venus y
    Adonis, y Venus y la música, pintadas en la
    década de 1540 por encargo de Felipe II.
  • Estas obras son contemporáneas de una serie de
    pinturas religiosas en las que se observa la
    misma disolución progresiva de las formas a
    través del color y la luz. En escenarios
    nocturnos, destacan La Anunciación (1560-1565) y
    La coronación de espinas.
  • Tiziano murió en Venecia en 1576. Su obra
    proporcionó una alternativa poderosa y atractiva.
    Por derecho propio, la obra de Tiziano se
    considera en la cima de los logros y éxitos en el
    campo de las artes visuales.

La Asunción de la Virgen de Santa María dei Frari
(1516-18)
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PAUL CÉZANNE
  • Nació el 19 de enero de 1839 en la ciudad de
    Aix-en-Provence, en el sur de Francia. Su padre
    era un banquero acaudalado. Fue amigo de infancia
    de Zola y, al igual que éste, manifestó interés
    por el arte desde muy joven para disgusto de su
    padre. En 1862, después de una serie de
    encarnizadas discusiones familiares, el aspirante
    a artista recibió una pequeña asignación y fue
    enviado a estudiar arte a París, hacia donde ya
    había partido Zola. Cézanne se sintió de
    inmediato atraído por los elementos más radicales
    del mundo artístico parisino. Admiraba sobre todo
    al pintor romántico Delacroix y, entre los
    artistas más jóvenes, a Courbet y a Manet.
  • Muchas de sus primeras obras estaban pintadas con
    pigmentos espesos y en tonos oscuros que
    recordaban al expresionismo romántico y
    melancólico de generaciones anteriores. Manifestó
    un interés progresivo por la representación de la
    vida contemporánea, quería pintar el mundo tal y
    como se presentaba ante sus ojos, sin preocuparse
    de idealizaciones temáticas o afectación en el
    estilo. La influencia más significativa en los
    comienzos de su madurez artística fue la de
    Pissarro que le enseñó a plasmar los efectos de
    la luz natural mediante una nueva técnica ideada
    por los impresionistas. Junto con Claude Monet,
    Auguste Renoir y unos pocos pintores más,
    Pissarro había desarrollado un estilo para
    trabajar al aire libre de forma rápida y a escala
    reducida, que consistía en utilizar pequeños
    toques de colores puros, sin recurrir a bocetos
    preliminares ni a dibujos, para atrapar los
    efectos lumínicos fugaces y su interpretación
    visual, también efímera, de la naturaleza.
  • Cézanne pasó de los tonos oscuros a los colores
    brillantes y comenzó a concentrarse en escenas de
    la vida rural.
  • Aunque parecía poseer menos dominio técnico que
    los otros impresionistas, Cézanne fue aceptado
    dentro del grupo y expuso con ellos en 1874 y
    1877. En general los impresionistas contaban con
    un éxito comercial limitado, y las obras de
    Cézanne tuvieron la acogida más desfavorable por
    parte de la crítica. Se distanció de muchos de
    sus contactos parisinos a finales de 1870 y en
    1880 pasó gran parte del tiempo en su
    Aix-en-Provence natal. A partir de 1882 dejó de
    trabajar en estrecha relación con Pissarro. En
    1886 creyó ver referencias a sus fracasos en una
    novela de Zola y rompió sus relaciones con él.
    Ese mismo año heredó la fortuna de su padre y con
    47 años, consiguió la independencia económica.
  • El aislamiento y la concentración podrían ser los
    responsables de la increíble evolución que
    experimentó su estilo en 1880 y 1890. Fue
    simplificando de modo gradual la aplicación de la
    pintura hasta el punto de que parecía lograr
    expresar el volumen con sólo unas cuantas
    pinceladas de color yuxtapuestas. Más adelante
    los expertos llegarían a afirmar que Cézanne
    había descubierto un modo de representar tanto la
    luz como las formas de la naturaleza simplemente
    mediante el color. Parecía reintroducir una
    estructura formal que los impresionistas habían
    abandonado, sin sacrificar por ello la sensación
    y vivacidad lumínica lograda por ellos. Cézanne
    hablaba de modular el color en lugar de modelar
    el claroscuro de la pintura tradicional. Para el
    la solución a todos los problemas técnicos del
    impresionismo radicaba en utilizar el color de un
    modo más ordenado y expresivo que el de sus
    compañeros impresionistas.

28
  • Cézanne consideraba que nunca llegaba a alcanzar
    plenamente su objetivo, por lo que dejó la mayor
    parte de sus obras sin acabar y destruyó muchas
    otras. Se lamentaba de su fracaso a la hora de
    representar la figura humana y, efectivamente,
    las grandes obras con figuras humanas de sus
    últimos años, como Bañistas, revelan unas
    distorsiones curiosas que parecen dictadas por el
    rigor del sistema de modulación cromática que él
    mismo impuso sobre sus propias representaciones.
    La generación posterior de pintores llegó a
    aceptar prácticamente todas las rarezas de
    Cézanne. Dicha generación creía que ya se habían
    superado los objetivos naturalistas del
    impresionismo y que era necesario un estilo nuevo
    y original, sin reparar en la dificultad, para
    poder devolver al arte moderno sinceridad y
    compromiso.
  • Durante muchos años la obra de Cézanne sólo fue
    conocida por sus antiguos colegas impresionistas
    y por unos cuantos artistas jóvenes radicales de
    la línea del postimpresionismo. Sin embargo, en
    1895 Ambroise Vollard, ambicioso marchante
    parisino, organizó una exposición de sus obras y
    las promocionó con gran éxito durante los años
    siguientes. Hacia 1904, Cézanne alcanzó la
    consagración en uno de los grandes salones
    oficiales de pintura y cuando murió (en su ciudad
    natal, el 22 de octubre de 1906) había logrado un
    prestigio considerable. Muchos pintores jóvenes
    viajaron hasta Aix-en-Provence para verle
    trabajar y pedirle consejo durante los últimos
    años de su vida. Sin embargo, tanto su estilo
    como sus teorías continúan siendo misteriosas y
    crípticas, aunque todos están de acuerdo en que
    la intensidad de sus colores, unida al aparente
    rigor de la estructura compositiva, indican que,
    a pesar de la frecuente desesperación del propio
    artista, había sintetizado los elementos básicos
    de representación y expresividad de la pintura de
    un modo muy personal.

Muchacha al piano (La obertura de Tannhäuser), h.
1869, en la que están representadas la hermana y
la madre de Cézanne.
29
EDGAR DEGAS
  • Nació el 19 de julio de 1834 en París, en el seno
    de una acaudalada familia de banqueros. Estudió
    en la Escuela de Bellas Artes con un discípulo
    del pintor neoclásico francés Jean Auguste
    Dominique Ingres allí desarrolló la gran técnica
    como dibujante que se convertiría en una de las
    características más sobresalientes de su arte. A
    partir de 1865, influido por el movimiento
    impresionista abandonó los temas académicos para
    dedicarse a una temática contemporánea. Pero
    prefirió trabajar en su taller y no le interesó
    el estudio de la luz natural que tanto fascinó a
    aquéllos. A Degas le gustaban los temas del
    teatro, por lo que la mayor parte de su obra
    representa teatros, cafés, teatros de variedades
    o gabinetes y carreras de caballos. Degas fue un
    gran observador del ser humano y tanto en sus
    retratos como en sus estudios de bailarinas,
    sombrereras y lavanderas, cultivó una objetividad
    absoluta, intentando atrapar las posturas más
    naturales y espontáneas de sus modelos como las
    que podían registrarse en las fotografías.
  • Su estudio de los grabados japoneses le llevó a
    experimentar con ángulos de enfoque inusitados y
    composiciones asimétricas. Sus obras suelen
    presentar los bordes cortados, como en Los
    bebedores de absenta (1876) o Ensayo de ballet
    (1876). En Mujer con crisantemos (1865), la
    figura femenina aparece desplazada en un rincón
    del cuadro por la presencia en el centro de un
    gran ramo de flores.
  • En 1880, cuando comenzó a perder visión, Degas
    empezó a trabajar con dos medios nuevos que no
    requerían gran agudeza visual la escultura y el
    pastel. En su escultura, al igual que en su
    pintura, intentó atrapar la acción del momento, y
    sus bailarinas de ballet y desnudos femeninos
    están representados en poses que evidencian los
    esfuerzos físicos de las modelos. Sus pasteles
    suelen ser composiciones simples con muy pocas
    figuras. Se vio forzado a recurrir a los colores
    brillantes y a los gestos de gran expresividad,
    prescindiendo de la línea precisa y el cuidado
    detalle pero, a pesar de esas limitaciones, sus
    últimas obras son de una elocuencia, expresividad
    y grandiosidad no alcanzadas por ninguna de sus
    obras anteriores, como puede verse en la
    excelente selección de su obra presente en el
    Museo de Orsay de París.

Degas no gozó de gran fama en su época y su
auténtica dimensión artística no habría de
valorarse hasta después de su muerte, acaecida el
27 de septiembre de 1917 en París.
Algunas de sus obras La
familia Bellelli (18601862) El ajenjo
(1876) La estrella (1878)
Clase de baile, 1875
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GUSTAVE COURBET
  • Nació en un pueblo próximo a Besançon, en el
    Doubs francés, cuyo paisaje refleja en sus
    cuadros. Estudió en Besançon y luego en París
    (1840). Sus padres deseaban que emprendiese la
    carrera de Derecho, pero al llegar a París se
    volcó en el arte.
  • A partir de la revolución de 1848, Courbet fue
    etiquetado de revolucionario peligroso.
  • En 1855 expuso algunas de sus obras en el Palacio
    de las Artes de la Exposición Universal de París,
    pero al ver el rechazo del jurado hacia algunos
    de sus cuadros decidió inaugurar una exposición
    individual ubicada en las proximidades del campo
    de Marte, a la que bautizó con el nombre de
    "Pabellón del Realismo". Entre las obras que
    exhibió en dicho lugar cabe mencionar El taller
    del pintor, en el que retrataba a todas las
    personas que habían ejercido cierta influencia en
    su vida.
  • Tuvo fama de arrogante y efectista. Algunos le
    achacaban que provocaba escándalos sólo para
    entretener a las clases bienpensantes y que su
    arte se mantenía fiel a cierta exquisitez formal.
    Otros como Delacroix lamentaban que Courbet
    malgastaba su habilidad, al elegir temas sin un
    contenido elevado.
  • A pesar de sus polémicas, llegó a disfrutar de
    éxito. Se le otorgó la medalla de la Legión de
    Honor, pero la rechazó. De él, el filósofo
    Proudhon, padre del anarquismo, quiso hacer un
    pintor proletario. Creía que el arte podría
    subsanar las contradicciones sociales.

Durante la Comuna se le encargó la administración
de los museos de París. Tras caer dicho gobierno,
el gobierno posterior le responsabilizó de la
destrucción de la columna Vendôme dedicada a
Napoleón Bonaparte. Un consejo de guerra lo
condenó a seis meses de prisión y a pagar 300.000
francos. Al salir de la cárcel escapó a Suiza
(1873) para evitar que el Estado le obligara a
pagar la multa era tan alta que debía ser
liquidada a lo largo de 30 años. Murió en La Tour
du Peilz, localidad próxima a Vevey, víctima de
una cirrosis producida por su consumo abusivo de
alcohol. Algunas de sus obras Autorretrato
(1849) El hombre del perro negro
(1842) Entierro en Ornans, (1850)
El estudio, detalle, 1855
31
PIERRE-AUGUSTE RENOIR
  • Nació en Limoges en febrero de 1841. En 1845,
    Renoir y su familia se mudaron a París. Allí
    Pierre-Auguste continuó sus estudios hasta la
    edad de 13 años. Ya como adolescente, trabajó en
    el taller de los hermanos Lévy donde pintó
    figuras decorativas sobre porcelana hasta los 17
    años. En 1858, Renoir realiza pintura sobre
    abanicos. En esa actividad adquirió el gusto por
    las piezas de gran luminosidad y de pinceladas
    rápidas.
  • En 1862, Renoir, al captar atención por las
    pinturas que tuvo que hacer en unas misiones
    religiosas, postuló a la Escuela de Bellas Artes
    y entró al taller de Gleyre, donde conoció a
    Monet, Bazille y Sisley. Sus primeros cuadros de
    estilo clásico, romántico y realista no fueron
    inicialmente bien criticados. La primera obra que
    expone en la galería lEsméralda en 1864 recibió
    una muy buena acogida, pero después de la
    exposición la destruyó. Pintó gran cantidad de
    paisajes y de cuerpos humanos, principalmente
    femeninos (sobre todo el de Lise Tréhot quien fue
    su amante). Esta joven tuvo una importancia vital
    en la obra del pintor, dado que al romperse la
    relación, hubo un cambio en el estilo del autor.
    La carrera de Renoir realmente se inicia en 1867
    con la exposición de la Lise à lombrelle.
  • El período impresionista de Renoir dura entre
    1870 y 1883. Pinta gran cantidad de paisajes pero
    sus obras más características tiene por tema la
    vida social urbana. En todos sus temas el énfasis
    lo pone en la juventud y la vitalidad. Su más
    grande obra durante este período es Déjeuner des
    canotiers la mujer que juega con el perrito en
    este cuadro será su esposa, Aline Charigot. De
    esta época data su Retrato de Madame Charpentier
    con sus hijos, aún impresionista. Le fue
    encargado por el editor Charpentier, quien le
    ayudó en años difíciles. Gracias a él, fue
    convocado a colaborar en las ilustraciones para
    un libro de Émile Zola.
  • Entre 1883 y 1890, Renoir entra en su período
    ingresco. En busca de las fuentes clásicas de
    Ingres marcha a Italia y contempla la obra de
    Rafael in situ decide revisar su estilo. Los
    contornos de sus personajes se vuelven más
    precisos. Dibuja las formas con gran precisión,
    los colores se vuelven más fríos. Al convertirse
    en padre por primera vez deja la pintura por un
    tiempo. Al regresar al trabajo realiza la más
    imp
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