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LOS 40 PRINCIPALES

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Title: LOS 40 PRINCIPALES


1
LOS 40 PRINCIPALES
  • VERONICA RODRIGUEZ HERNANDEX
  • 1º EDUCACIÓN PRIMARIA T1

2
PINTORES
3
SANDRO BOTTICELLI
  • Sandro Botticelli (1445 - 1510). Uno de los
    pintores más destacados del renacimiento
    florentino. Desarrolló un estilo personalísimo,
    caracterizado por la elegancia de su trazo, su
    carácter melancólico y la fuerza expresiva de sus
    líneas. Nació en Florencia, hijo de un curtidor,
    y su verdadero nombre era Alessandro di Mariano.
  • Hacia 1470 Botticelli ya tenía su propio taller.
    Dedicó casi toda su vida a trabajar para las
    grandes familias florentinas, especialmente los
    Medici, para los que pintó retratos .
  • Para el año 1470, Botticelli tendría taller
    propio. Ya entonces su obra se caracteriza por
    una concepción de la figura como vista en
    bajorrelieve, pintada con contornos claros, y
    minimizando los fuertes contrastes de luz y
    sombra que indicarían formas plenamente
    modeladas. Recibió ese año un importante encargo
    una de las pinturas sobre Virtudes para la Sala
    del Tribunal de los Mercaderes, La fortaleza.
  • Se dice que cayó en la pobreza, y que habría
    muerto de hambre si no hubiera sido por la
    diligente ayuda de sus antiguos patrones. Lo
    cierto es que sigue produciendo obras, si bien en
    un tono más dramático y con una consciente
    regresión estilística hacia modelos antiguos,
    como puede verse en la serie sobre la Vida de san
    Cenobio y la Natividad mística (1501),
    consideradas sus últimas obras.

4
OBRAS
  • Nacimiento de Venus
  • Es una pintura de Sandro Botticelli (1445
    1510). El nacimiento de Venus representa una de
    las obras cumbres del maestro italiano. Está
    ejecutada al temple sobre lienzo y mide 184,5
    centímetros de alto por 285,5.
  • El retorno de Yudit
  • La Primavera
  • Es una de las obras maestras del pintor
    renacentista Italiano Sandro Botticelli. Está
    realizado al temple sobre tabla. Mide 203 cm de
    alto y 314 cm de ancho.

5
LEONARDO DI SER PIERO DA VINCI  
  • Artista, pensador e investigador italiano que,
    por su insaciable curiosidad y su genio
    polifacético, representa el modelo más acabado
    del hombre del Renacimiento (Vinci, Toscana, 1452
    - Amboise, Turena, 1519). Leonardo da Vinci era
    hijo ilegítimo de un abogado florentino, quien no
    le permitió conocer a su madre, una modesta
    campesina.
  • Leonardo se formó como artista en Florencia, en
    el taller de Andrea Verrochio pero gran parte de
    su carrera se desarrolló en otras ciudades
    italianas como Milán (en donde permaneció entre
    1489 y 1499 bajo el mecenazgo del duque Ludovico
    Sforza, el Moro) o Roma (en donde trabajó para
    Julio de Médicis). Aunque practicó las tres artes
    plásticas, no se ha conservado ninguna escultura
    suya y parece que ninguno de los edificios que
    diseñó llegó a construirse, por lo que de su obra
    como escultor y arquitecto sólo quedan indicios
    en sus notas y bocetos personales
  • .Sin embargo, el genio de Leonardo le encaminó a
    tal cantidad de objetivos diferentes que apenas
    ejerció influencia sobre la marcha de los
    distintos campos que tocó (aunque sí obtuvo un
    gran prestigio personal, que ha perdurado hasta
    nuestros días) muchos de los proyectos que
    emprendió quedaron inacabados cuando otros nuevos
    atrajeron su interés y, en cuanto a los
    inventos, se limitó a concebir ideas útiles, pero
    no se esforzó por plasmarlas en modelos viables
    que pudieran funcionar, por lo que la mayoría de
    sus investigaciones fueron especulaciones
    teóricas sin consecuencias prácticas. En ellas se
    concentró a partir de 1516 cuando, con las manos
    afectadas por una parálisis, pasó a vivir en
    Francia bajo la protección de Francisco I.

6
OBRAS
  • MONA LISA
  • Es un óleo sobre tabla de álamo de 77 X 53 cm,
    pintado entre 1503 y 1506,1 . La técnica usada
    fue el sfumato, procedimiento muy característico
    de Leonardo. El cuadro está protegido por
    múltiples sistemas de seguridad y ambientado para
    su preservación óptima.
  • LA ULTIMA CENA.
  • entre 1495 y 1497 Se encuentra en la pared sobre
    la que se pintó originariamente,en Milán.Un mural
    ejecutado al temple y óleo sobre dos capas de
    preparación de yeso extendidas sobre enlucido.
    Mide 460 cm. de alto por 880 cm. de ancho.
  • LA VIRGEN DE LAS ROCAS.
  • es un nombre usado para denominar dos cuadros de
    Leonardo da Vinci pintados con idéntica técnica
    pictórica de óleo sobre lienzo.

7
MIGUEL ANGEL
  • Fue un escultor, pintor y arquitecto, nació en
    Caprese el 6 de marzo de 1475 y murió en Roma el
    18 de febrero de 1564.
  • Desarrolló su labor artística a lo largo de más
    de setenta años entre Florencia y Roma, que era
    donde vivían sus grandes mecenas, la familia
    Médicis de Florencia, y los diferentes papas
    romanos.
  • Fue admirado por sus contemporáneos, que le
    llamaban el Divino.
  • Triunfó en todas las artes en las que trabajó,
    caracterizándose por su perfeccionismo.
  • La escultura, según había declarado, era su
    predilecta y la primera a la que se dedicó
  • Después se dedicó a la pintura y se concretó en
    una obra excepcional y magnífica, La Capilla
    Sixtina. Miguel Ángel empezó también la Piedad
    Rondín, que sería la última escultura en la cual
    trabajaría hasta la vigilia de su muerte. La
    dejó, inacabada, como legado, en 1561, a su fiel
    servidor Antonio del Franzese. Se mantuvo durante
    siglos en el patio del Palazo Rondanin

8
OBRAS.
  • SANTO ENTIERRO.
  • es un cuadro inacabado atribuido al pintor
    renacentista italiano Miguel Ángel. La datación
    es alrededor de 1500-1501. Una una técnica mixta
    (témpera y óleo). El centro del cuadro representa
    a Jesucristo llevado al sepulcro. El hombre con
    barba que está tras él es José de Arimatea, el
    hombre que dio su tumba para la sepultura de
    Cristo.
  • LA CREACIÓN DE ADÁM
  • es un fresco en el techo de la Capilla Sixtina
    pintado por Miguel Ángel alrededor del año 1511.
    Ilustra el episodio bíblico del Génesis en el
    cual Dios le da vida a Adán, el primer hombre
    (según la tradición bíblica). Cronológicamente es
    el cuarto de los paneles que representan
    episodios del Génesis en el techo de la capilla,
    fue de los últimos en ser completados y es una de
    las obras de arte más apreciadas y reconocidas en
    el mundo.

9
ANDREA MANTEGNA
  • Nació probablemente cerca de Vicenza, Italia. A
    los 10 años comienza a trabajar en el taller de
    pintura de Francesco Squarcione en Padua. A los
    17 años se independiza, cansado de que su talento
    artístico sea apropiado por su mantenedor.
  • Él frecuenta los anticuarios de la ciudad,
    presta especial atención a la pintura y el arte
    de la antigua Roma y va perfilando su propio
    estilo. Sus primeros trabajos importantes los
    realiza en la capilla de San Jacopo y San
    Cristoforo de Ovetii, junto con Ansuino da Forli,
    perdidos en su mayor parte tras los bombardeos
    sobre la ciudad en la II Guerra Mundial.
  • También antes de los 30 años realiza el San
    Sebastián en Viena, explotando su fama por toda
    Italia.
  • Mantegna produjo así mismo diversos grabados,
    medio apropiado para difundir su dibujo incisivo.
    Con todo, su autoría no es segura y se cree que
    al menos algunas planchas fueron terminadas por
    ayudantes de su círculo.

10
OBRAS
  • CRUCIFIXIÓN (1457-1459)
  • En estas tres tablas encontramos una marcada
    influencia de la pintura flamenca en el paisaje,
    en la expresividad excesiva de algunas de las
    figuras y en la minuciosidad "fotográfica" de los
    ropajes. Realizada en tempera sobre madera.
  • TRÁNSITO DE LA VIRGEN (1461)
  • Es una de las obras más conocidas del pintor
    italiano Andrea Mantegna. Es un óleo sobre tabla,
    pintado hacia el año 1461. Mide 54 cm de alto y
    42 cm de ancho. Se exhibe actualmente en el Museo
    del Prado de Madrid.
  • EL CRISTO MUERTO
  • Es uno de los más célebres óleos sobre tela de
    Andrea Mantegna. Fue realizado entre 1457 y 1501.
    Mide 68 centímetros de alto por 81 de ancho.

11
CARAVAGGIO
  • Fue un pintor italiano activo en Roma, Nápoles,
    Malta y Sicilia, entre los años de 1593 y 1610.
    Es considerado como el primer exponente de la
    pintura barroca.
  • Caravaggio produjo mayoritariamente pinturas
    religiosas. Sin embargo, a menudo escandalizaba y
    sus lienzos eran rechazados por sus clientes.
    Hacia mediados de 1592 Caravaggio llegó a Roma,
    desnudo y extremadamente necesitado, sin una
    dirección fija y sin provisiones... además corto
    de dinero. Pocos meses después comenzó el
    trabajo exitoso que no concluiría hasta dejar
    Roma.
  • En 1599, presumiblemente bajo la influencia del
    cardenal Del Monte, Caravaggio fue contratado
    para decorar la Capilla Contarelli, en la iglesia
    romana de San Luis de los Franceses. En 1606
    asesinó a un hombre durante una reyerta, por lo
    que huyó de Roma pues las autoridades habían
    puesto precio a su cabeza. En 1608 se vio
    nuevamente envuelto en otra riña, lo que se
    repitió más tarde en Nápoles. Un poeta, amigo
    íntimo del pintor, dio como fecha de su muerte el
    18 de julio, víctima de fiebre en Porto
    Ércole,cerca de Grosseto, en Toscana.

12
OBRAS
  • LA VOCACIÓN DE SAN MATEO.
  • Está realizado al óleo sobre lienzo. Pertenece
    al ciclo de la Vida de san Mateo que le fue
    encargada en 1599 para decorar la capilla
    Contarelli en la iglesia romana de San Luis de
    los Franceses, donde aún se conserva.
  • MUERTE DE LA VIRGEN.
  • Está realizado al óleo sobre lienzo, en el año
    1606. Esta pintura no pudo estar terminada antes
    de 1605-1606. La representación de la Virgen
    María causó cierto escándalo, y fue rechazada
    como inadecuada para la parroquia.
  • LA CRUCIFIXIÓN DE SAN PEDRO.
  • Está realizado al óleo sobre lienzo y tiene unas
    dimensiones de 230 centímetros de alto por 175 de
    ancho. Fue pintada para la capilla Cerasi de la
    iglesia de Santa María del Popolo de Roma,
    Italia.

13
COURVET
  • Nació en 1819. Fue un pintor francés, fundador y
    máximo representante del realismo, y comprometido
    activista democrático.
  • En 1855 expuso algunas de sus obras en el
    Palacio de las Artes de la Exposición Universal
    de París, pero al ver el rechazo del jurado hacia
    algunos de sus cuadros decidió inaugurar una
    exposición individual ubicada en las proximidades
    del campo de Marte.
  • A pesar de sus polémicas, llegó a disfrutar de
    éxito. Se le otorgó la medalla de la Legión de
    Honor, pero la rechazó.
  • Durante la comuna se le encargó la
    administración de los museos de Paris.
  • Murió en la Tour du Peilz, víctima de una
    cirrosis producido por su consumo abusivo de
    alcohol.

14
OBRAS
  • LAS CRIBADORAS DE TRIGO
  • Está realizado al óleo sobre lienzo. Mide 131 cm
    de alto y 167 cm de ancho. Fue pintado en 1853,
    encontrándose actualmente en el Museo de Bellas
    Artes de Nantes. Las dos jóvenes mujeres son sin
    duda las dos hermanas de Courbet
  • ENTIERRO DE ORNANS
  • Es uno de los cuadros más conocidos del pintor
    francés Gustave Courbet. Está realizado al óleo
    sobre tela. Fue pintado en 1849. La pintura fue
    presentada en el Salón de 1850, provocando un
    escándalo, ya que se había dado el tratamiento,
    en formato y estilo, de una pintura de historia a
    lo que no era sino un episodio banal
  • EL SUEÑO.
  • Está realizado al óleo sobre lienzo. Fue pintado
    en 1866. Se trata de un cuadro de carácter
    sensual, propio de algunas de las obras que el
    autor pintó durante el Segundo Imperio. La puesta
    en escena es refinada

15
PIERO DELLA FRANCESCA
  • Este artista será el gran enamorado de la luz en
    el Quattrocento italiano y uno de los más grandes
    pintores del siglo XV. Nació en Borgo San
    Sepolcro entre 1416 y 1417. Desconocemos con
    quién realizó su formación suponiéndose que fue
    en su ciudad natal.
  • También se especula sobre un aprendizaje en la
    capital de la Toscana debido al profundo
    conocimiento de las obras del Beato Angelico,
    Paolo Ucello y Masaccio, a quienes debe parte de
    su formación.
  • Recibe el encargo de la decoración de la
    capilla del coro de la iglesia de San Francisco
    en Arezzo, donde pintará la Leyenda de la Vera
    Cruz, su obra maestra, realizada entre 1452 y
    1466.
  • Piero falleció en Borgo San Sepolcro el 12 de
    octubre de 1492, el mismo día que Colón llegaba a
    América.

16
OBRAS
  • NATIVIDAD.
  • Está realizada al temple sobre madera. Está
    datada del periodo 1460-1475 otras fuentes
    hablan de 1483-1484. En cualquier caso,
    probablemente sea uno de los últimos cuadros
    realizados por Piero antes de su ceguera. Parece
    inacabado, aunque esta impresión se debe
    seguramente a las restauraciones antiguas.
  • EL BAUTISMO DE JESUCRISTO.
  • Está realizado al temple al huevo sobre tabla.
    Está constituido por dos grandes planchas de
    álamo al veteado vertical, con las proporciones
    del rectángulo de oro. El eje medio genera una
    partición calculada, aunque no simétrica.
  • LA VIRGEN DEL PARTO.
  • realizó la obra en siete jornadas de trabajo,
    usando los colores de primera elección, entre los
    cuales una notable cantidad de precioso azul
    ultramar obtenido por el lapislázuli, que era
    importado de las lejanas grutas de Afganistán a
    través de las rutas de la República de Venecia.

17
EL MASACCIO
  • Nació en Castel San Giovanni, hoy San Giovanni
    Valdarno, el 21 de diciembre de 1401, hijo del
    notario Giovanni di Mone Cassai y de su esposa
    Jacopa di Martinozzo. El apellido Cassai procede
    del nombre de la actividad a que se dedicaba la
    familia paterna de Masaccio eran ebanistas (en
    italiano, cassai). En 1406, coincidiendo con el
    nacimiento del segundo hijo del matrimonio,
    Giovanni que recibiría luego el sobrenombre de
    el Scheggia, muere el padre. La madre volvió a
    contraer matrimonio con el mercader de especias
    Tedesco di Mastro Feo, también viudo, y con dos
    hijas, que murió el 7 de agosto de 1417.
  • Masaccio se trasladó a Florencia entre 1417 y
    1421, tal vez a causa de la muerte de su
    padrastro. Existen documentos que demuestran que
    la madre de Masaccio alquiló una casa en esta
    ciudad, en el barrio de San Niccolò Oltrarno,
    seguramente como vivienda para su hijo, ya que
    ella continuó viviendo en casa de su difunto
    marido. Es posible que el joven artista comenzara
    su andadura en Florencia en el taller de Bicci di
    Lorenzo o en el de algún otro. Su primera obra
    segura es el tríptico para San Juvenal de Casia,
    que lleva la fecha, en la tabla central, de 23 de
    abril de 1422 ANNO DOMINI MCCCCXXII A DI
    VENTITRE DAPRILE. Es posible, según da a
    entender Vasari, que en 1423 Masaccio realizase
    un viaje a Roma, con motivo del jubileo. En 1424
    se inscribió en la Compañía de San Lucas de
    Florencia. Posiblemente este año o en 1425
    comenzó a colaborar con Masolino en los frescos
    de la capilla Brancacci de la iglesia de Santa
    María del Carmine de dicha ciudad. En febrero de
    1426 empezó el Políptico de Pisa, trabajo que le
    ocuparía durante casi todo el año.
  • En 1428 se trasladó a Roma, invitado por el
    cardenal Brando da Castiglione para decorar la
    capilla de San Clemente en la iglesia homónima.
    En Roma trabajó en el Políptico de Santa María
    Mayor, del cual se conservan los Santos Jerónimo
    y Juan Bautista (actualmente en la National
    Gallery de Londres). Murió en Roma en otoño de
    1428, cuando contaba sólo veintisiete años de
    edad. Algunas fuentes antiguas mencionan el rumor
    de que fue envenenado.

18
OBRAS
  • LA ADORACIÓN DE LOS REYES MAGOS
  • Es la tabla central de la predela del Políptico,
    y la única en que no se utiliza el fondo de oro.
    El centro de atención del cuadro se desplaza de
    la escena sacra al cortejo profano.
  • LA TRINIDAD.
  • Está pintado en uno de los muros laterales de
    la iglesia de Santa María Novella de Florencia en
    Italia. Es quizá la obra más celebrada de
    Masaccio.
  • LA RESURRECIÓN DEL HIJO DE TEÓFILO.
  • Masaccio dejó inacabado este fresco, que fue
    completado por Filippino Lippi. Se cree que en él
    pueden encontrarse retratos de personajes de la
    época en el grupo de la izquierda, el personaje
    vestido con hábito de carmelita es probablemente
    el cardenal Brenda Castiglione Teófilo, sentado
    en el trono en forma de nicho, es un retrato de
    Gian Galeazzo Visconti, gran enemigo de
    Florencia y Coluccio Salutati es la figura
    sentada a los pies de Teófilo, a la derecha.

19
FRA ANGELICO
  • Su nombre secular era Guido di Pietro da Mugello'
    y nació en Vicchio (región de Toscana). En 1418
    ingresó en un convento dominico en Fiesole y
    alrededor de 1425 se convirtió en fraile de la
    orden con el nombre de Giovanni da Fiesole.
    Aunque se desconoce quién fue su maestro, se cree
    que comenzó su carrera artística como iluminador
    de misales y otros libros religiosos. Después
    empezó a pintar retablos y tablas. En 1436, los
    dominicos de Fiesole se trasladaron al convento
    de San Marcos de Florencia que acababa de ser
    reconstruido por Michelozzo. Fra Angelico,
    sirviéndose a veces de ayudantes, pintó numerosos
    frescos en el claustro, la sala capitular y las
    entradas a las veinte celdas de los frailes de
    los corredores superiores. Los más impresionantes
    son La crucifixión, Cristo peregrino y La
    transfiguración. El retablo que hizo para San
    Marcos. En 1445, Fra Angelico fue llamado a Roma
    por el papa Eugenio IV para pintar unos frescos
    en la capilla del Sacramento del Vaticano, hoy
    desaparecida. En 1447, pintó los frescos de la
    catedral de Orvieto junto con su discípulo
    Benozzo Gozzoli.
  • Sus últimas obras importantes, los frescos
    realizados en el Vaticano para decorar la capilla
    del papa Nicolás V, representan episodios de las
    Vidas de san Lorenzo y de san Esteban
    (1447-1449), y probablemente hayan sido pintados
    por ayudantes a partir de diseños del maestro.
    Desde 1449 hasta 1452, Fra Angélico fue el prior
    de su convento de Fiesole.
  • Murió en el convento dominico de Roma el 18 de
    febrero de 1455

20
OBRAS.
  • HUIDA A EGIPTO
  • El relato cuenta cómo un ángel se apareció en
    sueños a José y le ordenó que huyera a Egipto con
    Jesús y su madre, pues el rey Herodes lo estaba
    buscando para matarle. José obedece y tomando a
    María y a Jesús emprende el viaje que le
    conducirá a Egipto. La noticia se da de
    posteriores se amplía con multitud de anécdotas y
    milagros acaecidos a lo largo del supuesto viaje
    manera breve pero en los Evangelios apócrifos y
    en otros relatos
  • LA ANUNCIACIÓN
  • Desarrolla el tema de la Anunciación tal como
    aparece narrado en el Nuevo Testamento mostrando
    la escena en un pórtico de mármol abierto,
    allaperto, que recuerda al Hospital de los
    Inocentes, construcción de un coetáneo de Fray
    Angélico como Brunelleschi, con arcos de medio
    punto que descansan sobre finas columnas blancas.
    Tiene bóvedas de arista, de color azul celeste.
  • EL BAUTISMO DE CRISTO.
  • creada en 1437-1446.

21
GOYA
  • El pintor nació en la pequeña aldea de
    Fuendetodos el 30 de marzo de 1746 y poco se sabe
    de su infancia. Parece ser que fue alumno de las
    Escuelas Pías y que a los catorce años ingresó en
    el taller del pintor Luzán, donde debió
    ejercitarse, como era habitual en la época, en la
    copia de grabados. A finales de 1763 Goya realiza
    su primer viaje a Madrid para participar en un
    concurso de la Real Academia de Bellas Artes de
    San Fernando. Pero los inicios no pueden ser mas
    desoladores y su obra no obtiene un solo voto.
    Vuelve a probar suerte en 1776 en un nuevo
    concurso academico cosechando el mismo fracaso.
  • Durante estos años Goya comienza su carrera como
    pintor realizando sobre todo cuadros de tema
    religioso. Luego, retornó a Zaragoza, donde se
    encuentra desde finales de junio de 1771, y
    pronto recibiría su primer encargo importante la
    bóveda del coreto de la Basílica del Pilar. Goya
    pudo poner en práctica su habilidad como
    fresquista, técnica probablemente aprendida en
    Italia, en una obra aún dependiente de las
    tradiciones barrocas.
  • El 25 de julio de 1773 Goya se casa en Madrid
    con Josefa Bayeu, hermana de los pintores
    Francisco y Ramón, que tendrán un importante
    papel en su vida durante estos primeros años. Dos
    años después la recién formada familia se instala
    en Madrid para que el joven pintor logre afianzar
    su carrera en medios cortesanos.
  • En estos años se producen también sus primeros
    tanteos como grabador. Especialmente importante
    es la serie de copias de cuadros de Velázquez,
    que le permitirán ahondar en el conocimiento de
    la técnica del genial sevillano e incorporarla
    como un elemento importante de su arte. En 1780
    es admitido en la Real Academia de Bellas Artes
    de San Fernando, para lo que presentó un Cristo
    crucificado. Poco después es llamado de nuevo a
    Zaragoza para realizar un fresco en la Basílica
    del Pilar. Se trataba de decorar una cúpula con
    sus cuatro pechinas, con el tema La Virgen, Reina
    de los Mártires. Goya muere en Burdeos el 16 de
    abril de 1828.

22
OBRAS
  • ANÍBAL VENCEDOR. 1770.
  • Es un óleo de tema histórico que Francisco de
    Goya presentó a un concurso de pintura convocado
    por la Academia de Parma el 29 de mayo de 1770.
    La obra se encuentra en la Fundación
    Selgas-Fagalde sita en El Pito (Cudillero,
    Asturias) y existe un modelo previo, también en
    lienzo, en el Museo de Zaragoza.
  • EL AQUELARRE
  • El lienzo muestra un ritual de aquelarre,
    presidido por el Gran Cabrón, una de las formas
    que toma el demonio, en el centro de la
    composición. A su alrededor aparecen brujas
    ancianas y jóvenes que le dan niños con los que,
    según la superchería de la época, se alimentaba.
    En el cielo, de noche, brilla la luna y se ven
    aves nocturnas (que podrían ser murciélagos). En
    la serie de la que forma parte se encuentran
    también otros cinco cuadros de similar temática y
    dimensiones, que son Vuelo de brujas (Museo del
    Prado), El conjuro (Museo Lázaro Galdiano),
  • LA PRADERA DE SAN ISIDRO
  • Se trata de un boceto pintado para una serie de
    cartones para tapices destinados a la decoración
    del dormitorio de las infantas del Palacio de El
    Pardo. Con la muerte de Carlos III el proyecto
    quedó inacabado, y el cuadro, que iba a medir
    siete metros y medio de longitud, quedó en este
    delicioso apunte. El cuadrito pasó a propiedad de
    los duques de Osuna hasta 1896, año en que fue
    adquirido por el Museo del Prado

23
EL GRECO
  • El Greco es el nombre con el cual se conoce
    popularmente a Doménikos Theotokópoulos. El apodo
    se debe a que era originario de Candía (actual
    Heraclion), capital de la isla de Creta -Grecia-,
    donde nació en 1541. Respecto a los primeros años
    de su vida no se conocen demasiados datos, sólo
    que procedía de una próspera familia burguesa, y
    que recibió una amplia formación humanística. Fue
    uno de los artistas que mejor supo entender y
    desarrollar el Manierismo.
  • Doménikos trabajó en las dos vías que existían
    en la pintura de Creta de la segunda mitad del
    siglo XVI la tradicional -"allá greca" siguiendo
    los modelos bizantinos- y la moderna -"allá
    latina" según los modelos llegados del
    Renacimiento italiano-. Trabajando en ambas,
    pronto alcanzó una importante posición entre los
    pintores cretenses, por lo que hacia 1563 se lo
    llamó maestro.
  • Cuando decidió irse de su ciudad natal, ya era
    un prometedor pintor. En 1566 se trasladó a
    Venecia, ciudad en la vivía su hermano Manusso y
    que había visitado unos años antes (hacia 1560).
    En esta ciudad, El Greco asimiló la pintura
    renacentista. Algunos datos imprecisos parecen
    sugerir su ingreso en el taller de Tiziano, pero
    independientemente de este hecho, es cierto que
    la pintura del gran artista veneciano -junto con
    la de Tintoretto, de quien tomó la iluminación
    artificial para sus cuadros, y Jacopo Bassano-,
    ejerció una influencia determinante en el
    desarrollo de su técnica y su estética.
  • En 1570 Doménikos se fue a Roma, donde vivió
    siete años. Allí pudo admirar las obras de Miguel
    ángel, Rafael y Correggio. Asimismo en esa ciudad
    abrió su propio taller y enseguida logró una
    sólida reputación como retratista, lo que le
    permitió frecuentar los ambientes más relevantes
    de la sociedad e intelectualidad italiana y
    española.
  • Fue en 1576 cuando Doménikos decidió marcharse a
    España, con la esperanza de ser contratado para
    la decoración del Monasterio de El Escorial. Ya
    en Madrid conoció a Jerónima de las Cuevas, con
    quien tuvo a su único hijo Jorge Manuel en 1578.
  • Tal como lo esperaba El Greco, recibió un
    importante encargo, el monarca español le
    encomendó un cuadro que conmemorase la batalla de
    Lepanto, y el artista pintó "El sueño de Felipe
    II" (1577-1579) que no fue del agrado del rey.
    Luego le pidió que realizara "El martirio de San
    Mauricio", que tampoco le gustó al rey, pues le
    pareció poco acorde con las ideas de la
    Contrarreforma. Fue así como Doménikos se instaló
    de forma definitiva en Toledo (la ciudad donde sí
    pudo triunfar).
  • Paulatinamente se fue afianzando entre la
    clientela de Toledo, de la que recibió sus
    mejores encargos entre 1586-1588 hizo el famoso
    "El entierro del señor de Orgaz", diversos
    retablos para instituciones religiosas tanto de
    Toledo como de Madrid -el encargo del Colegio de
    doña María de Aragón que actualmente ocupa el
    edificio del Senado español- o pueblos limítrofes
    como Illescas o Talavera la Vieja.

24
OBRAS
  • EL ENTIERRO DEL CONDE ORGAZ 1541
  • El cuadro representa las dos dimensiones de la
    existencia humana abajo la muerte, arriba el
    cielo, la vida eterna. El Greco se lució
    plasmando en el cuadro lo que constituye el
    horizonte cristiano de la vida ante la muerte,
    iluminado por Jesucristo.
  • LACONTE.1614
  • El conjunto escultórico Lacoonte pertenece a la
    escuela de Rodas. Sus autores fueron Agesandro,
    Polidoro y Atenodoro. Fue esculpido originalmente
    en mármol rosado y blanco. Mide 2 metros y 42
    centímetros. Se encuentra expuesto actualmente en
    los Museos Vaticanos.La escultura representa el
    instante en que el sacerdote Laocoonte es
    enroscado por dos serpientes junto a sus dos
    hijos.
  • ADORACIÓN DE LOS PASTORES.1541
  • Es un óleo sobre tela. La composición está
    desarrollada en espiral, creando un movimiento de
    ascensión. La distorsión extrema de los cuerpos
    caracteriza la Adoración de los Pastores como
    toda la obra tardía de El Greco. Los colores
    brillantes, disonantes, y las formas y poses
    extrañas crean una sensación de maravilla y
    éxtasis, al celebrar los pastores y los ángeles
    el milagro del niño recién nacido.

25
MANET
  • Edouard Manet nació en París el 23 de enero de
    1832, en una familia acomodada. terminó su
    formación sin obtener la calificación necesaria
    para estudiar derecho, para decepción de su
    padre, que era magistrado. A los dieciséis años
    viajó a Río de Janeiro como marinero en
    prácticas, con intención de ingresar en la
    Academia Naval Francesa, y cuando vio que su
    proyecto no tenía éxito decidió dedicarse al
    arte, pasando a su regreso Allí estuvo durante
    casi seis años y, al mismo tiempo, pudo copiar en
    el Louvre cuadros no sólo de Tiziano, Rembrandt
    y Velázquez, sino también de Goya, De Lacroix,
    Courbet y Daumier. De Couture aprendió que para
    ser un gran maestro hay que escuchar las
    enseñanzas de los que lo han sido en el pasado,
    pero por desgracia, Couture era un antirrealista
    fanático y convencido. Enfurecido por las mofas
    que Manet hacía con respecto al Premio de Roma,
    Couture le dijo que nunca llegaría a ser otra
    cosa que el Théodore Rousseau de su época. Al
    estallar la guerra franco-prusiana Manet, junto
    con otros impresionistas, fue movilizado. envió a
    su familia a Oloron.Ste.-Marie, en los Pirineos,
    y envió trece cuadros a Duret, entes de entrar
    como teniente al servicio de la Guardia Nacional
    durante el sitio de París.Tras la declaración del
    armisticio, en 1871, formó parte, junto con otros
    catorce pintores y diez escultores de la
    federación de artistas de la efímera Comuna de
    París.
  • En 1872 Durand-Ruel adquirió por 35000 francos
    veinticuatro obras de Manet y organizó la primera
    exposición de pintores impresionistas, que no
    tuvo éxito comercial. sin embargo, entre estos
    artistas iba surgiendo una conciencia de grupo
    que los llevaría a formar la Société Anonyme des
    artists para realizar exposiciones colectivas.
  • En esta época, en la que tiene mucha relación
    con Monet, empieza Manet a adoptar las técnicas
    impresionistas si bien rehusará participar en las
    exposiciones colectivas. en cambio, organiza una
    exposición de sus obras en su propio taller de la
    parisina calle de St. Petersboug, que gozó de
    bastante popularidad, rumoreándose en la época
    que había tenido unas 4000 visitas.
  • Hacia 1880, su salud empezó a deteriorarse a
    causa de un problema circulatorio crónico, que no
    mejoró a pesar de someterse a tratamientos de
    hidroterapia en Bellevue. En esta época fue
    reconocido su talento con una medalla de segunda
    clase concedida por el Salón, y fue nombrado
    también Caballero de la Legión de Honor.
  • El 20 de abril de 1883, a causa de su
    enfermedad, le fue amputada la pierna izquierda
    y, diez días más tarde falleció, a los 51 años de
    edad.

26
OBRAS
  • EL DESAYUNO SOBRE LA HIERBA 1863
  • Es un cuadro al óleo. Se exhibe en el Museo de
    Orsay de París, FranciaLa yuxtaposición de un
    desnudo femenino con caballeros completamente
    vestidos suscitaron controversia cuando la obra
    se mostró por vez primera en el Salón des Refusés
    en 1863, después de ser rechazado por el Salón
    oficial. Fue el lienzo más irritante y
    controvertido de esa exposición de obras
    rechazadas.
  • OLIMPIA 1863
  • Explícitamente inspirada en las Venus de Urbino
    del Tiziano, sin embargo el personaje central
    resulta ser evidentemente una prostituta
    parisina. En lugar de las doncellas que
    acompañaban a los desnudos del Cinquecento entra
    en escena llevando un ramo de flores una mujer
    negra, cuyo rostro, casi imperceptible sobre el
    fondo oscuro, contrasta con los tonos claros de
    su vestimenta oriental. Por otra parte las
    carnaduras de la mujer desnuda que mira directa y
    provocadoramente a los espectadores son
    contrastadas junto a las sábanas y las almohadas
    por el fondo oscuro, resaltando la atmósfera de
    íntima sensualidad
  • EL PÍFANO.
  • Como en el cuadro del pintor español, Manet
    concibe un fondo sin profundidad, en que los
    planos vertical y horizontal son apenas
    distinguibles. En opinión de Peter H. Feist, El
    pífano muestra la atracción de Manet por el
    efecto decorativo de unas figuras individuales de
    gran tamaño, con contornos enfáticos y colocadas
    ante una superficie de fondo. Frente al fondo
    monocromo, resalta la figura enérgicamente
    coloreada en base a una paleta reducida pero de
    colores vivos, en la que predomina la técnica del
    empaste el negro muy nítido de la guerrera y los
    zapatos, el rojo de los pantalones, el blanco de
    la bandolera, etc. Como resultado, la figura
    destaca firme, armoniosa y viva.
  • Además, como en Velázquez, Manet retrata también
    a un personaje anónimo, un adolescente, músico de
    la banda de la Guardia Imperial, que fue enviado
    a Manet por el comandante Lejosne,tratado como
    un Grande de España
  • .

27
MONET
  • Nació el 14 de Noviembre de 1840.Monet recibió
    sus primeras lecciones artísticas en la escuela
    de la mano de François-Charles Ochard, alumno del
    pintor neoclásico Jacques-Louis David.. Al estar
    más interesado por los dibujos graciosos y
    caricaturas que por adquirir una formación
    artística, a los 15 años ya tenía relativa fama
    como caricaturista, realizando un buen número de
    caricaturas de ciudadanos de Le Havre por las que
    cobraba entre 10 y 20 francos, consiguiendo una
    pequeña fortuna de 2.000 francos. A los 17 años
    falleció su madre, la única persona con cierto
    talento artístico de la familia. La pérdida
    supuso un duro golpe para el joven, quien
    establecerá una estrecha relación con su tía,
    Marie-Jeanne Lecadre, interesada por la pintura
    (era una pintora aficionada además de compañera
    -tras enviudar- del pintor parisino Armand
    Gautier. En 1861 le toca hacer el servicio
    militar en Argelia, en la legión africana,
    durante un periodo de un año. La delicada salud
    del joven -enfermó de tifus a comienzos de 1862-
    motivó su regreso a Le Havre por un periodo de
    seis meses. En esta temporada continuó trabajando
    con Boudin y conoció a Jongkind. Su tía
    Marie-Jeanne exoneró al joven del servicio
    militar al pagar 3.000 francos pero le puso como
    condición continuar sus estudios pictóricos en
    París. En el otoño de 1862 Monet regresaba a
    París, acudiendo al taller de Auguste Toulmouche
    por indicación de la familia. Este le aconsejó
    que acudiera al estudio de Charles Gleyre donde
    permaneció hasta 1864 cuando el maestro cerró su
    taller por una dolencia ocular. Aquí conoció
    Monet a tres compañeros con los que entabló
    estrecha amistad Renoir, Sisley y Bazille,
    intimando especialmente con este último. Junto
    con sus compañeros de estudios se dedicará a la
    pintura al aire libre en Chailly, en el bosque de
    Fontainebleau. Tras una estancia en Normandía
    junto con Bazille, en el verano de 1864 visita a
    su familia en Saint-Adresse, se ve desprovisto de
    la manutención Muere el 5 de diciembre de 1926 a
    los 86 años en Giverny, 80 kilómetros al oeste de
    París.

28
OBRAS
  • IMPRESIÓN SOL, NACIENTE.
  • Fechado en 1872, aunque pintado más
    probablemente en 1873, su motivo es el puerto de
    Le Havre en Francia, usando muy pocos toques de
    pincel que sugieren en vez de delinear. Monet
    explicó posteriormente el título
  • "El paisaje no es otra cosa que una impresión,
    una impresión instantánea , de ahí el título ,
    una impresión que me dio. He reproducido una
    impresión en le Havre, desde mi ventana, sol en
    la niebla y unas pocas siluetas de botes
    destacándose en el fondo... me preguntaron por un
    título para el catálogo, no podía realmente ser
    una vista de Le Havrem y dije "pongan
    impresión"Fue robada en 1985 y recuperada en
    1990.
  • MUJERES EN EL JARDÍN.
  • Es un cuadro del pintor francés Claude Monet.
    Data del año 1867. Representa un día de verano,
    con su despreocupado ambiente. Varias mujeres,
    con vestidos de verano, se divierten en un jardín
    de flores. Monet tomó a su mujer como modelo para
    esta obra.Protagonista del cuadro es la luz que
    se refleja en los cabellos, en la piel, en los
    vivos colores de los vestidos, las flores y las
    hojas de los árboles. Los reflejos luminosos y
    las sombras coloreadas envuelven a los personajes
    que se presentan en actitudes naturales.
  • PONT DE l'EUROPE, ESTACIÓN DE SAINT-LAZARE
  • Es un cuadro del pintor francés Claude Monet.
    Data del año 1877. La serie sobre la estación de
    Saint-Lazare en París es la primera de
    ellas.Monet mostró siete variaciones sobre este
    tema en la exposición de los impresionistas de
    1877, entre ellas este Pont de l'Europe.
  • El humo del ferrocarril resulta un atractivo
    soporte de la luz. El humo y la luz del cielo se
    unen, extendiéndose como un velo de seda sobre
    la banal estación y las fachadas de las casas

29
MURILLO
  • Sevilla, 1617-Cádiz, 1682) Pintor español. Nació
    en 1617 en el seno de una familia de catorce
    hermanos, de los que él fue el benjamín. Quedó
    huérfano de padre a los nueve años y perdió a su
    madre apenas seis meses después. Una de sus
    hermanas mayores, Ana, se hizo cargo de él y le
    permitió frecuentar el taller de un pariente
    pintor, Juan del Castillo.
  • En 1630 trabajaba ya como pintor independiente
    en Sevilla y en 1645 recibió su primer encargo
    importante, una serie de lienzos destinados al
    claustro de San Francisco el Grande la serie se
    compone de trece cuadros, que incluyen La cocina
    de los ángeles, la obra más celebrada del
    conjunto por la minuciosidad y el realismo con
    que están tratados los objetos cotidianos. El
    éxito de esta realización le aseguró trabajo y
    prestigio, de modo que vivió desahogadamente y
    pudo mantener sin dificultades a los nueve hijos
    que le dio Beatriz Cabrera, con quien contrajo
    matrimonio en 1645. Después de pintar dos grandes
    lienzos para la catedral de Sevilla, empezó a
    especializarse en los dos temas iconográficos que
    mejor caracterizan su personalidad artística la
    Virgen con el Niño y la Inmaculada Concepción, de
    los que realizó multitud de versiones sus
    vírgenes son siempre mujeres jóvenes y dulces,
    inspiradas seguramente en sevillanas conocidas
    del artista. Tras una estancia en Madrid entre
    1658 y 1660, en este último año intervino en la
    fundación de la Academia de Pintura, cuya
    dirección compartió con Herrera el Mozo. En esa
    época de máxima actividad recibió los
    importantísimos encargos del retablo del
    monasterio de San Agustín y, sobre todo, los
    cuadros para Santa María la Blanca, concluidos en
    1665. Posteriormente trabajó para los capuchinos
    de Sevilla (Santo Tomás de Villanueva repartiendo
    limosna) y para el Hospital de la Caridad
    (cuadros sobre las obras de misericordia).
  • Murillo destacó también como creador de tipos
    femeninos e infantiles del candor de La muchacha
    con flores al realismo vivo y directo de sus
    niños de la calle, pilluelos y mendigos, que
    constituyen un prodigioso estudio de la vida
    popular. Después de una serie dedicada a la
    Parábola del hijo pródigo, se le encomendó la
    decoración de la iglesia del convento de los
    capuchinos de Cádiz, de la que sólo concluyó los
    Desposorios de santa Catalina, ya que falleció,
    mientras trabajaba en ella, a consecuencia de una
    caída desde un andamio.

30
OBRAS
  • DOS NIÑOS COMIENDO MELÓN Y UVA.
  • Murillo se convertirá en uno de los principales
    pintores infantiles del Barroco, tanto a la hora
    de representar figuras divinas como el Niño Jesús
    o San Juanito o personajes absolutamente reales
    como estos niños que aquí observamos. Se trata de
    una obra juvenil, fechada entre 1645-50 y en ella
    apreciamos la influencia naturalista en la
    pintura de Murillo. Las dos figuras aparecen ante
    un edificio en ruinas, interesándose el artista
    por presentarlos como auténticos pícaros,
    destacando sus ropas raídas y sus gestos de
    glotonería. Los detalles están captados a la
    perfección -especialmente las frutas- creando
    Murillo una apreciable sensación de realidad. La
    pincelada comienza a adquirir una mayor soltura y
    los efectos de vaporosidad y transparencia
    empiezan a surgir gracias a su contacto con
    Herrera y la pintura veneciana.
  • JOVEN MENDIGO
  • 1650.La primera de estas representaciones de
    estos golfillos urbanos es este Joven mendigo del
    Louvre. Aparece un mendigo vestido con harapos,
    que se concentra en su ropa apretada entre las
    manos. Se cree que está despiojándose. Tiene los
    pies sucios. Puede ser un mendigo o más bien un
    pícaro de los que aparecen en las novelas el
    Lazarillo de Tormes (1511) o las Ejemplares de
    Cervantes(1613).

31
REMBRANDT
  • Rembrandt- (Rembrandt Harmenszoon van Rijn
    Leiden, Países Bajos, 1606 - Amsterdam, 1669)
    Pintor holandés. Nacido en el seno de una
    acomodada familia de molineros, Rembrandt recibió
    una esmerada educación y llegó a ingresar en la
    Universidad de Leiden, donde estudió un curso, ya
    que por entonces decidió dedicarse a la pintura.
    De los dos maestros que tuvo, uno en Leiden y
    otro en Amsterdam, fue este último el que más
    influyó en el artista y el que le transmitió las
    tendencias italianizantes en bogaEn 1625,
    considerándose ya formado, abrió taller en Leiden
    junto con Jan Lievens (quien después siguió una
    trayectoria muy distinta), y no tardó en contar
    con una amplia clientela. Durante los años de
    Leiden, el arte de Rembrandt evolucionó desde
    unos inicios de colores brillantes y gestos
    grandilocuentes hacia una creciente afirmación
    del claroscuro. El sabio empleo que hizo el
    artista de esta nota tan típica del Barroco es lo
    que confiere a su obra una fuerza y una
    personalidad indiscutibles. Ya en época temprana,
    hacia 1630, el claroscuro se convierte en el más
    poderoso medio de expresión del pintor, tal como
    evidencian obras como Sansón traicionado por
    Dalila y La presentación de Jesús en el templo.
    En 1630, a raíz de la muerte de su padre, se
    trasladó a Amsterdam, donde se asoció con el
    marchante Hendrick van Uylenburgh, con cuya hija,
    Saskia, se casó. Comenzó entonces para él una
    etapa de prosperidad económica y de vida mundana,
    que se truncó repentinamente en 1642, año de la
    muerte de su esposa. Los reveses económicos se
    sucedieron, hasta que en 1656 se vio obligado a
    subastar todas sus pertenencias (casa,
    colecciones de arte, etc.). El consuelo le llegó
    de la mano de Hendrickje Stoffels, que entró a su
    servicio para hacerse cargo de su hijo Tito y con
    quien mantuvo una relación sentimental, sin
    llegar a casarse con ella para no perder la
    herencia de Saskia. Las dos etapas, próspera y
    adversa, de la vida de Rembrandt se reflejan en
    sus obras, particularmente en los autorretratos,
    un género que el artista cultivó a lo largo de
    toda su carrera mientras que los primeros son
    alegres, brillantes y un tanto superficiales, los
    de los últimos años tienen un carácter sombrío,
    sereno, y reflejan una profundidad muy
    superior.La maestría compositiva, la perfecta
    caracterización de los personajes, el detallado
    estudio de los ademanes, la agudeza de los
    rostros, hacen de sus tres grandes creaciones de
    este género (La lección de anatomía del doctor
    Tulp, La ronda de noche y Los síndicos del gremio
    de pañeros) unas obras llenas de vida y de genio.
    RTanto los dibujos como los aguafuertes son
    obras plenamente barrocas, dominadas por la
    acción, el dramatismo y un realismo derivado de
    la observación del mundo circundante muy
    característico del arte de Flandes y de los
    Países Bajos.

32
OBRAS
  • LA RONDA DE NOCHE.
  • Rembrandt pintó este cuadro entre 1640 y 1642.
    La pintura fue llamada "Nacht Wacht" por los
    holandeses y "Night Watch" por Sir Joshua
    Reynolds porque en el momento de su
    descubrimiento los colores al óleo se habían
    apagado tanto que muchos detalles eran
    indistinguibles y se parecía bastante a una
    escena nocturna. Después de sucesivas
    restauraciones, se reveló que la escena
    representada era una escena diurna una partida
    de mosqueteros pasando de un sombrío patio a la
    cegadora luz del sol. La obra fue encargada para
    el nuevo ayuntamiento de los Kloveniersdoelen, la
    compañía de mosqueteros encargados de la patrulla
    urbana.
  • EL RAPTO DE EUROPA.
  • Está realizado en óleo sobre panel, y fue
    pintado en el año 1632. El cuadro se inspira en
    una historia de la mitología griega. En Las
    metamorfosis, Ovidio cuenta que Europa era una
    princesa fenicia y Zeus la raptó en forma de toro
    blanco, llevándosela desde las orillas de lo que
    hoy es el Líbano hasta el continente al que acabó
    dando su nombre.
  • LA LECCIÓN DE ANATOMÍA DEL DR. NICOLAES TULP
  • Fue pintado en 1632. Se trata de una pintura al
    óleo sobre lienzo. Es el primer retrato de grupo
    pintado por Rembrandt, que tenía entonces 26
    años. Fue un encargo del potente gremio de los
    cirujanos, de los cuales Tulp, famoso médico de
    Ámsterdam, era un representante eminente. Un
    cuadro de similares características fue pintado
    por Thomas de Keyser en 1619.

33
RENOIR
  • Auguste Renoir nació en Limoges en febrero de
    1841. En 1845, Renoir y su familia se mudaron a
    París. Allí, Pierre-Auguste continuó sus estudios
    hasta la edad de 13 años. Ya como adolescente,
    trabajó en el taller de los hermanos Lévy donde
    pintó figuras decorativas sobre porcelana hasta
    los 17 años. En 1858, Renoir realiza pintura
    sobre abanicos. En esa actividad adquirió el
    gusto por las piezas de gran luminosidad y de
    pinceladas rápidas.
  • En 1862, Renoir, al captar atención por las
    pinturas que tuvo que hacer en unas misiones
    religiosas, postuló a la Escuela de Bellas Artes
    y entró al taller de Gleyre, donde conoció a
    Monet, Bazille y Sisley. Sus primeros cuadros de
    estilo clásico, romántico y realista no fueron
    inicialmente bien criticados. Sin embargo, la
    primera obra que expone en la galería lEsméralda
    en 1864 recibió una muy buena acogida, pero
    después de la exposición la destruyó. Pintó gran
    cantidad de paisajes y de cuerpos humanos,
    principalmente femeninos (sobre todo el de Lise
    Tréhot quien fue su amante). Esta joven tuvo una
    importancia vital en la obra del pintor, dado que
    al romperse la relación, hubo un cambio en el
    estilo del autor. La carrera de Renoir realmente
    se inicia en 1867 con la exposición de la Lise à
    lombrelle. Entre 1883 y 1890, Renoir entra en su
    período ingresco. En busca de las fuentes
    clásicas de Ingres marcha a Italia y contempla la
    obra de Rafael in situ decide revisar su estilo.
    Los contornos de sus personajes se vuelven más
    precisos. Dibuja las formas con gran precisión,
    los colores se vuelven más fríos. Al convertirse
    en padre por primera vez deja la pintura por un
    tiempo. Al regresar al trabajo realiza la más
    importante obra de este período Grandes
    baigneuses, cuadro que tardó tres años en
    completar. Entre 1900 y 1919, Renoir entra en su
    período de Cagnes. En esta época sufre graves
    crisis de reumatismo. Con el nacimiento de su
    tercer hijo en 1901 su pintura toma una nuevo
    matiz. En varias ocasiones pinta en compañía de
    la niñera, quien también se convertirá en modelo
    para sus obras.
  • Al morir su esposa Aline en 1915, Renoir, ya en
    silla de ruedas, continúa pintando para ahogar su
    pena. Vuelto a Cagnes continuó pintando hasta
    terminar su composición "Descanso tras el baño",
    y una naturaleza con manzanas. Pierre-Auguste
    Renoir moriría el 3 de diciembre de 1919 luego de
    visitar por última vez el Louvre donde ya se
    exponían sus pinturas, recién pasada una fuerte
    pulmonía, y sería enterrado a los tres días en
    Essoyes junto a su esposa.

34
OBRAS
  • EL ALMUERZO DE LOS ROMEROS.1881
  • El cuadro muestra un grupo de amigos de Renoir
    descansando en una terraza de la Maison Fournaise
    sobre el río Sena en Chatou, Francia. El pintor y
    el mecenas, Gustave Caillebotte están sentados
    abajo a la derecha. En el fondo se ve a la futura
    esposa de Renoir, Aline Charigot, jugando con un
    pequeño perro.
  • LAS GRANDES BAÑISTAS.
  • Pintado entre los años 1884 y 1887. En "Los
    Grandes Bañistas" Renoir un contorno neto, una
    materia lisa y un reparto de la luz uniforme. El
    dibuja las formas con más rigor, los colores se
    vuelven más fríos. El deseaba que las formas
    femeninas fueran más talladas ,estructuradas, es
    lo que le reprocha Camille Pissarro. Los cuerpos
    se vuelven más importantes que los decorados,
    como si estos conservasen un papel por jugar. El
    decorado no es más que un primer plano. Se
    inspira profundamente en Cézanne, con el que
    había pasado algún tiempo pintando en L'Estaque
    en su retorno de Italia.
  • EN LA TERRAZA.
  • Fue pintado en 1881.Realizado a óleo sobre
    lienzo. En esta obra aparece una joven, vestida
    de azul oscuro con un sombrero rojo en la cabeza.
    Las flores adornan su sombrero (amapolas) y su
    pecho. Junto a ella se encuentra su hija, vestida
    de blanco y un sombrero también cuajado de
    flores. Detrás, una barandilla de hierro forjado,
    más allá de la cual se ve una rica naturaleza de
    colores intensos matorrales y árboles en flor,
    un río de color azul claro.

35
ROSETTI
  • Hijo de un erudito emigrado italiano, Gabriele
    Rossetti, D. G. Rossetti nació en Londres,
    Inglaterra y recibió el nombre de Gabriel Charles
    Dante Rossetti. Su familia y amigos lo llamaban
    "Gabriel", pero en sus publicaciones ponía
    primero el nombre de Dante, debido a sus
    resonancias literarias. Era hermano de la poetisa
    Christina Rossetti y del crítico William Michael
    Rossetti, y fue uno de los fundadores de la
    Hermandad Prerrafaelita, junto con John Everett
    Millais y William Holman Hunt. Después de la
    exposición de la obra de Holman Hunt La víspera
    de Santa Inés, Rossetti buscó la amistad de Hunt.
    La pintura ilustraba un poema de un autor por
    entonces poco conocido, John Keats. El primer
    poema de Rossetti, The Blessed Damozel era una
    imitación de Keats, así que creyó que Hunt podría
    compartir sus ideales artísticos y literarios.
    Juntos desarrollaron la filosofía de la Hermandad
    de los prerrafaelitas. Rossetti estuvo siempre
    más interesado en la parte medieval del
    movimiento que en la moderna. Estaba publicando
    traducciones de Dante y otros poetas italianos
    medievales, y su arte también buscaba adoptar el
    estilo de los primitivos renacentistas italianos.
  • Las primeras grandes pinturas de Rossetti
    muestran algunas de las cualidades realistas del
    movimiento prerrafaelita temprano. En 1849 pinta
    su primer lienzo inspirado en los antiguos
    pintores italianos, La infancia de la Virgen. Al
    año siguiente pinta Ecce ancilla Domini!, una
    representación de la Anunciación que exaltaba la
    pureza. Es una interpretación moderna de la
    Virgen María y de la Anunciación, en la que María
    es representada como una adolescente indiferente
    y atemorizada, pálida no tanto por candor
    espiritual cuanto por consunción. Destaca el uso
    del cabello pelirrojo, señal de sensualidad para
    el decadentismo y el simbolismo. La presencia del
    lirio y de la cortina azul entre los tonos
    blancos son elementos ulteriores que añaden
    contenido simbólico a la pintura. Su obra es
    intensamente mística y primitiva, acercándose al
    eclecticismo de los nazarenos alemanes. Su
    pintura incompleta Found (1854) fue la única
    dedicada a la vida moderna. Representaba a una
    prostituta, sacada de la calle por un pastor que
    era su antiguo enamorado. Sin embargo, Rossetti
    progresivamente prefirió imágenes simbólicas y
    mitológicas a las realistas. Esto también puede
    predicarse de su poesía posterior. Hacia el final
    de su vida, Rossetti cayó en estado mórbido,
    oscurecido por su drogadicción y su creciente
    inestabilidad mental, posiblemente empeorada por
    su reacción a los salvajes ataques de la crítica
    sobre su poesía desenterrada (1869). Pasó sus
    últimos años retirado, como un recluso. Murió en
    Birchington-on-Sea, Kent, Inglaterra.

36
OBRAS
  • BEATA BEATRIX.
  • En 1860 Se había suicidado ingiriendo láudano,
    aunque en el certificado de fallecimiento se
    mencionó como una muerte accidental. A pesar de
    las infidelidades, Rossetti sintió mucho su
    muerte y se trasladó de casa, eligiendo Chelsea
    como lugar de residencia, donde pintó este cuadro
    que se considera como la estela funeraria de su
    esposa, identificando al propio Rossetti con
    Dante y a Beatriz con Lizzy. La figura de Beatriz
    presenta una expresión de éxtasis, posiblemente
    más sexual que religioso, llevando entre sus
    manos un pájaro maligno que sujeta en su pico una
    amapola, efímera flor que simboliza la pasión y
    la muerte, así como origen del opio, la droga que
    utilizó Lizzy para su suicidio. Tras Beatriz
    observamos dos figuras que se miran mutuamente,
    representando a Dante y al Amor. A la derecha
    contemplamos un reloj de sol que simboliza el
    inexorable paso del tiempo. La mezcla de lo
    irreal con los real, de la fantasía con la
    poesía, son ingredientes muy queridos por
    Rossetti, el artista más poético del grupo
    prerrafaelita.
  • THE ANUNCIATION.
  • 1849.

37
JOAQUIN SOROLLA
  • Considerado como uno de los pintores españoles
    más importantes de comienzos del siglo XX,
    Joaquín Sorolla inicia su aprendizaje artístico
    en su Valencia natal. Tras exponer por primera
    vez en 1881, viaja a París y a Roma y fija su
    residencia en Asís, donde estudia a los grandes
    maestros italianos. En 1889 regresa a Madrid,
    donde continúa su labor pictórica. Participa con
    gran éxito en múltiples muestras, tanto
    nacionales como internacionales, y en 1900
    obtiene el Grand Prix de la Universal de París.
    Su éxito no se limita a su actividad artística,
    sino que, además, es nombrado miembro de la
    Legión de Honor, en Francia, y Caballero de la
    Orden de Isabel la Católica, en España. Gracias a
    su prestigio, recibe un encargo de la Hispanic
    Society of America para realizar catorce paneles
    en su sede de Nueva York representando escenas de
    la vida española. Sorolla los realiza con una
    pincelada luminosa, empastada, de temática
    folclórica, gran colorido y claridad, que es el
    mejor resumen de su carrera pictórica.
    Posteriormente, los apuntes cotidianos del mundo
    burgués mediterráneo, centrado en las escenas de
    playa y los paseos por el parque, se configuran
    como el lugar privilegiado donde Sorolla
    desarrolla su arte. En 1914 es elegido académico
    de la Real Academia de Bellas Artes de San
    Fernando, donde empieza a impartir clases cinco
    años después. En 1920 una hemiplejía supone el
    fin de su carrera pictórica y docente. Sorolla
    muere tres años después.

38
OBRAS
  • TRATA DE BLANCAS.
  • 1894.El autor a de adaptarse al social,
    dominante en los certámenes de la época. Mantiene
    su temática costumbrista.
  • PATIO DE LA CASA DE SOROLLA.
  • Es un óleo sobre lienzo. Realizada en 1917.
  • CHICOS EN LA PLAYA.
  • Es una conocida obra del pintor
    postimpresionista español Joaquín Sorolla. Data
    del año 1910, está ejecutado al óleo sobre lienzo
    y mide 118 centímetros de alto por 127 cm de
    ancho. Pertenece al Museo del Prado de Madrid, a
    donde llegó procedente del Museo de Arte Moderno,
    al cual lo donó el propio pintor en 1919 no
    obstante, no está expuesto sino en el Depósito 3.

39
VELAZQUEZ
  • Velázquez, Diego de Silva (1599-1660), pintor
    español, máximo representante de la pintura
    barroca en su país.
  • Nació en Sevilla el 6 de junio de 1599.
    Procedente de una familia burguesa Sevillana, fue
    el mayor de seis hermanos. Entre 1611 y 1617 el
    joven Velázquez trabajó como aprendiz en el
    taller del que sería su futuro suegro, Francisco
    Pacheco, pintor manierista y autor de un
    importante tratado titulado El arte de la pintura
    (1649). Durante sus años de aprendizaje,
    Velázquez aprendió el naturalismo tenebrista
    imperante en su época, derivado del realismo
    italiano y del flamenco. En el año 1621 Velázquez
    realizó su primer viaje a Madrid (tal y como
    Pacheco nos dice) para, presumiblemente, conocer
    en persona las colecciones reales y probablemente
    para buscar, sin éxito en esta ocasión, un puesto
    como pintor de corte. Sin embargo, en el año 1623
    regresó a la capital para pintar un retrato del
    rey Felipe IV (1623, Museo del Prado) y el
    monarca le nombró su pintor de cámara. Este
    lienzo fue el primero de una serie de retratos
    soberbios y directos, no sólo del rey, sino
    también de la familia real y otros miembros de la
    corte, ya que, realmente, su principal ocupación
    en la corte era la de retratar, aunque también
    abordó temas mitológicos, como El triunfo de
    Baco, popularmente llamado Los borrachos
    (1628-1629, Museo del Prado). Esta escena de
    bacanal en un paisaje abierto, en la que el dios
    del vino bebe junto a los borrachos, atestigua el
    interés del artista por el realismo.
  • Viaje a Italia
  • En el año 1628 Petrus Paulus Rubens llegó a la
    corte de Madrid en misión diplomática y entre los
    pocos pintores con los que trabó amistad estaba
    Velázquez. Aunque el gran maestro flamenco no
    causó un decisivo impacto sobre la obra del
    pintor, sus conversaciones le impulsaron a
    visitar las colecciones de arte en Italia que
    tanto admiraba Rubens. En agosto de 1629
    Velázquez abandonó Barcelona rumbo a Génova y
    pasó dos años viajando por Italia. De Génova se
    dirigió a Milán, Venecia, Florencia y Roma
    regresó a España desde Nápoles en enero de 1631.
    En el transcurso de este viaje estudió de cerca
    el arte del renacimiento y de la pintura italiana
    de su tiempo. Algunas de las obras realizadas
    durante sus viajes dan muestra de la asimilación
    de estos estilos un ejemplo representativo es su
    La túnica de José (1639, Monasterio de El
    Escorial, Madrid) y La fragua de Vulcano (1630,
    Museo del Prado), que combinan los efectos
    escultóricos miguelangelescos con el claroscuro
    de maestros italianos tales como Guercino y
    Giovanni Lanfranco. Durante los últimos años de
    su vida, Velázquez trabajó no sólo como pintor de
    corte, sino también como responsable de la
    decoración de muchas de las nuevas salas de los
    palacios reales. En el año 1649 regresó de nuevo
    a Italia, en esta ocasión para adquirir obras de
    arte para la colección del rey. Durante su
    estancia en Roma (1649-1650) pintó el magnífico
    retrato de Juan de Pareja (Museo de Arte
    Metropolitano, Nueva York), así como el
    inquietante y profundo retrato del Papa Inocencio
    X (Galería Doria-Pamphili, Roma), recientemente
    exhibido en Madrid. Al poco tiempo fue admitido
    como miembro en la Academia de San Lucas de Roma.
    Su elegante Venus del espejo (National Gallery,
    Londres) data probablemente de esta época.

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OBRAS
  • LAS MENINAS.
  • Conocida popularmente desde el siglo XIX como
    Las Meninas, el cuadro fue titulado originalmente
    como La familia de Felipe IV y es, probablemente,
    la obra más importante del pintor español Diego
    Velázquez. Es una pintura realizada al óleo sobre
    un lienzo de grandes dimensiones, con las figuras
    representadas a tamaño natural. Aunque no tiene
    firma ni fecha, por fuentes indirectas se data en
    1656. Se halla expuesta en el Museo del Prado de
    Madrid. El tema central es la infanta Margarita
    de Austria aunque la pintura representa también
    otros personajes, incluido el propio Velázquez.
  • VENUS DEL ESPEJO.
  • 1599-1660. La obra representa a la diosa Venus
    en una pose erótica, tumbada sobre una cama y
    mirando a un espejo que sostiene el dios del amor
    sensual, su hijo Cupido. Se trata de un tema
    mitológico al que Velázquez, como es usual en él,
    da trato mundano. No trata a la figura como a una
    diosa sino, simplemente, como a una mujer.
  • VIEJA FRIENDO HUEVOS.
  • La fecha del cuadro, aunque no está claramente
    definida se situaría en torno al año 1618, antes
    del traslado definitivo de Velázquez a Madrid, lo
    cual sucedería en 1623. El realismo es casi
    fotográfico, Velázquez se esmera porque los
    objetos destaquen en este ejemplar bodegón donde
    aparecen platos, vasijas, cubiertos, cacerolas,
    morteros y jarras, destacando el brillo especial
    del cristal o la influencia de la luz en el melón
    que porta el muchacho. La fritura de la vieja
    está increíblemente conseguida, tanto que el
    aceite hirviendo está literalmente saltando ante
    nuestros ojos.

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ZURBARÁN
  • Francisco de Zurbarán nació el 7 de noviembre de
    1598. Sus padres fueron Luis de Zurbarán,
    comerciante acomodado, e Isabel Márquez. Otros
    dos importantes pintores del Siglo de Oro
    nacerían poco después Velázquez (1599-1660) y
    Alonso Cano (1601-1667).
  • Probablemente se iniciara en el arte pictórico
    en la escuela de Juan de Roelas, en su ciudad
    natal, antes de ingresar, en 1614, en el taller
    del pintor Pedro Díaz de Villanueva (1564
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