RENACIMIENTO QUATTROCENTO PINTURA MASACCIO FRA ANGELICO BOTTICELLI - PowerPoint PPT Presentation

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RENACIMIENTO QUATTROCENTO PINTURA MASACCIO FRA ANGELICO BOTTICELLI

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Title: RENACIMIENTO QUATTROCENTO PINTURA MASACCIO FRA ANGELICO PIERO DELLA FRANCESCA BOTTICELLI Author: INMA Last modified by: USUARIO Created Date – PowerPoint PPT presentation

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Title: RENACIMIENTO QUATTROCENTO PINTURA MASACCIO FRA ANGELICO BOTTICELLI


1
RENACIMIENTO QUATTROCENTO PINTURA MASACCIO FRA
ANGELICO BOTTICELLI
2
(No Transcript)
3
LA PINTURA DEL QUATTROCENTO ITALIANO Se
caracteriza por la representación real de la
naturaleza, las dimensiones y la
profundidad.   Habitualmente se suele establecer
una división de la pintura quattrocentista por
escuelas principales, en función de la zona
geográfica Escuela de Florencia De la Escuela
de Florencia serán principales representantes
Fra Angélico y Masaccio ("creador" de la
perspectiva), Piero Della Francesca (maestro en
el uso de la luz), Ghirlandaio, Paolo Ucello
(para el que será importantísima la profundidad),
Botticelli (maravillosas serán sus exquisitas y
melancólicas composiciones de temas
mitológicos). CARACTERISTICAS - La pintura se
independiza de la arquitectura. - Los artistas
empiezan a gozar de mayor libertad creativa
(transición del artesano al artista) y su obra
una consideración de carácter no sólo manual
sino, también, intelectual (humanismo). - Las
obras reflejan el amor por el hombre y la
naturaleza, inspirándose en la antigüedad clásica
(obras literarias, manifestaciones plásticas). El
antropocentrismo se convierte en el eje de la
nueva mirada que estos artistas aportan.
4
Técnicas y soportes - Pintura mural se
mantiene la tradición del fresco pero va
perdiendo importancia, poco a poco, aunque se
conserva para la decoración de muros y
bóvedas. Pintura de Caballete irá ganando
importancia sobre tabla y, en menos ocasiones,
sobre tela se emplean las técnicas del temple
(primera mitad del siglo XV) y del óleo (a partir
de la segunda mitad del siglo XV), como
consecuencia de la influencia de la escuela
flamenca.
5
Los Temas (variedad) Religiosos, Mitológicos ,
Retrato Religiosos siguen siendo los más
importantes pero dejan de ser exclusivos. Los
temas religiosos tradicionales se interpretan con
el nuevo espíritu renacentista, se humanizan o se
proponen lecturas neoplatónicas, en consonancia
con el resurgir de la filosofía platónica. - La
Virgen con el Niño es uno de los más frecuentes,
pero tratado con gran dulzura y delicadeza. -
Surgen nuevos temas como La Sagrada Conversación
que representa a la Virgen entronizada acompañada
de Santos. - A veces se representan anacronismos
en ambientes y vestidos, ya que los donantes
aparecen vestidos a la manera del s. XV pero en
escenas que, según la tradición, se desarrollan
en Palestina o en el próximo oriente.
Mitológicos (con un sentido alegórico, la mayoría
de las veces) Son temas específicamente
humanistas los artistas se inspiran en
descripciones literarias (la Metamorfosis, de
Ovidio, por ejemplo) y en las obras escultóricas
de la antigüedad clásica. Se quiere exaltar los
valores que representan estos temas mitológicos
(belleza, perfección, virtud, etc.). Se da
importancia al desnudo (no sólo como expresión de
la belleza física, sino como expresión de la
belleza espiritual equilibrio, en definitiva,
entre la dimensión humana y espiritual del ser
humano. Se mantienen los anacronismos en la
vestimenta igual que en los cuadros de tema
religioso.
6
Retratos. Alcanzan gran importancia por la
influencia del humanismo e individualismo
renacentista. Se representan los rasgos físicos y
psicológicos del personaje aunque existe una
cierta tendencia a la idealización. La figura se
representa normalmente de perfil o de tres
cuartos (ligeramente vuelta hacia el espectador)
primero se representa sólo el busto pero más
tarde será representado el cuerpo completo. Las
figuras se colocan sobre distintos tipos de
fondos monocromos y neutros, celajes ambiguos,
paisajes que no guardan relación con los
personajes.
Retrato de Giovanna degli Albizzi Tornabuoni
pintado por Domenico Ghirlandaio en 1490.
7
Rasgos de Estilo (más o menos comunes a la
mayoría de los autores) Existe entre los
artistas un deseo de verdad en la representación
de la Naturaleza. Se concede tanta importancia
al tema como a la belleza de las formas y la
armonía compositiva. Se concede gran
importancia al dibujo predomina la línea sobre
el color, por lo que los contornos suelen
aparecer muy definidos. El dibujo refleja el
carácter del pintor sereno en Fra Angélico,
nervioso en Botticelli, Preocupación por la
perspectiva mediante ella pueden conseguir una
mejor representación de la Naturaleza, así como
la ilusión de la representación espacial
(tridimensionalidad). Primero se utiliza una
perspectiva central, de tipo lineal, con el punto
de fuga excéntrico e incluso se intenta despertar
la ilusión de espacios fingidos. A fines del
siglo XV la perspectiva lineal es sustituida por
la aérea. Otro elemento básico es la luz y su
influencia en la composición, en la perspectiva y
en el color. Mediante la luz refuerzan el efecto
de las líneas y los volúmenes (intentos ya
realizados por Giotto) aunque se conoce el
claroscuro (Piero della Francesca, por ejem.), se
prefieren las luces cenitales y uniformes, que
aportan claridad a la composición.
8
La figura humana es el centro de la
representación los estudios anatómicos, el
intento de establecer un canon ideal de las
medidas del cuerpo humano, la importancia del
desnudo, el afán de dotar a las figuras de
volumen y relieve, constituyen los ejes de la
representación pictórica. El paisaje va
ganando importancia aunque lentamente. Se busca
el naturalismo, pero el paisaje sigue apareciendo
como un telón de fondo con una total desconexión
entre él y las figuras. Sin embargo, se procura
que exista una correcta proporción entre el
tamaño de las figuras y el ambiente. El paisaje
sirve para obtener los efectos de profundidad y
para enmarcar las figuras. Se utilizan
composiciones complicadas con varias figuras
principales e incluso varias escenas en el mismo
cuadro, manteniendo el sentido narrativo de
épocas anteriores. El tema principal siempre
ocupa el centro rodeado de numerosos elementos
secundarios.   Se mantiene una disposición
simétrica de las diferentes figuras.
9
La perspectiva lineal o cónica aparece
vinculada al concepto de punto de fuga, concebido
como aquel en el que convergen todas las líneas
de profundidad. El resultado se aproxima a la
visión obtenida si el ojo estuviera situado en
dicho punto. Filippo Brunelleschi fue el primero
que formula las leyes de la perspectiva cónica,
mostrando en sus dibujos las construcciones en
planta y alzado, indicando las líneas de fuga
.La perspectiva aérea o perspectiva atmosférica
La idea es muy sencilla. Como le ocurre al ojo
humano, las cosas, cuanto más lejanas, más
borrosa. Así, y gracias a la pincelada suelta,
consiguieron que el paisaje fuera mucho más real,
y que las figuras se integraran mejor en él El
término fue acuñado por Leonardo da Vinci, pero
la técnica pudo haber sido empleada ya en las
antiguas pinturas murales grecorromanas de
Pompeya. Se descubrió que el polvo y la humedad
en el ambiente causaban la dispersión de la
luminosidad siendo la luz de longitud de onda
corta (azul) más diseminada y la luz de longitud
de onda larga (roja) menos esparcida.
10
(No Transcript)
11
En esta obra al fresco pintada en el refectorio
de Santa Maria delle Grazie (Milán) Leonardo nos
enseña claramente la perspectiva lineal. Si te
fijas bien, existe un punto de fuga (cabeza de
Jesús) en el que todo converge y hacia donde es
conducida nuestra mirada. Diversas líneas de fuga
se encargan de conducir el espacio hacia ese
punto (línea del techo-pared, bordes superiores
de los cuadros de la pared, etc.). El resultado
es un poderoso efecto de espacio tridimensional,
acentuado además por el juego de luces alternadas
en la distancia.
Una de las grandes invenciones del Renacimiento
será la perspectiva (técnicas para crear fondo en
un cuadro, que en realidad es plano). Ya desde el
Quattrocento se buscarán técnicas para
conseguirla, creando la llamada perspectiva
lineal. La Idea es sencilla. Se trata de crear
una serie de líneas de fuga que se unen en el
punto de fuga (la zona más lejana del cuadro).
Esto formará una especie de pirámide visual como
la que puedes ver en la Escuela de Atenas de
Rafael
Perspectiva aérea Leonardo Da Vinci hizo de todo
y todo lo hizo bien. Sus inquietudes pictóricas
le llevaron a investigar en el campo de la
perspectiva, donde aportó su célebre "SFUMATO",
técnica consistente en difuminar los contornos,
prescindir de la línea negra que contiene las
figuras y lograr una atmósfera vaporosa y
sugerente. Con el sfumato gradual (más cuanto más
lejos) se logra una gran sensación de realismo,
los objetos se ven más borrosos cuanto mayor es
la distancia entre ellos y el observador .
12
MASSACIO 1401-1428 Tommaso di Ser Giovanni di
Mone Cassai, más conocido como Masaccio, es muy
importante dentro del arte italiano de comienzos
del s.XV , será él quien desarrolle (tomando de
referente a Brunelleschi) la perspectiva, creando
escenas donde creará la ilusión de un espacio
real, "aéreo". Su obra tiene una gran
personalidad y un fuerte sentido volumétrico y
naturalista, prefiguran la evolución que
culminarán pintores posteriores, sentando las
bases de la pintura del renacimiento
13
CARACTERISTICAS DE SU OBRA - Prescinde
totalmente del goticismo. - Carácter escultórico
de las figuras formas robustas, monumentales,
llenas de dramatismo. Reencarna la monumentalidad
de Giotto pero las figuras se funden mejor con el
ambiente. - Fondos muy trabajados se abandona
lo anecdótico. Difumina los contornos y crea
efectos de luz y sombra para aumentar la
sensación de profundidad. - Modela las figuras
mediante los juegos de luz y sombra. obras
Santísima Trinidad. Santa María Novella.
Florencia. Tributo de la moneda. Frescos de
la capilla Brancaci, iglesia del Carmine,
Florencia. Expulsión del paraíso. Iglesia del
Carmine. Florencia.
14
  • Principales obras de Masaccio
  • Frescos que decoran la capilla Brancacci en la
    iglesia del Carmine de Florencia es la obra más
    importante de Masaccio, quien trabajará en su
    ejecución a lo largo de varios periodos.
  • Los frescos cuentan la vida de San Pedro,

15
  • DESCRIPCION
  • En el cuerpo superior, hay escenas pertenecientes
    al Génesis, la Expulsión de Adán y Eva del
    Paraíso, El bautismo de los neófitos, El Tributo
    y las arquitecturas en las cuales se enmarca la
    escena de la Resurrección de Tabita
  • En el inferior, estan los episodios de San Pedro
    cura a los enfermos con su sombra , La
    distribución de los bienes y la muerte de
    Ananías, junto con parte de La resurrección del
    hijo de Teófilo y San Pedro en la cátedra.
  • Esta obra es especialmente importante porque en
    ella desaparece cualquier rasgo del gótico ,
    siendo un ejemplo de las características de la
    pintura del Renacimiento
  • -La composición es extremadamente compleja, tanto
    en las escenas individuales como al conjunto
    global de la decoración.
  • -La composicion está estructurada en función de
    un punto de vista principal el del observador.

16
Masaccio La Trinidad Fresco. Hacia 1427. 667 x
317 cm. Santa María Novella, Florencia Brunellesc
hi fué el "descubridor" de la perspectiva. Y
formuló las leyes matemáticas por las que los
objetos disminuyen de tamaño a medida que
retroceden hacia el fondo. Fue Brunelleschi
quien proporcionó a los artistas los medios
matemáticos de resolver este problema. La
Trinidad de Masaccio es una de las primeras
pinturas hechas de acuerdo con estos principios
matemáticos de las leyes de la perspectiva.
17
Espiritu Santo en forma de paloma
ICONOGRAFIA  La obra representa la TRINIDAD
(Dios Padre, Jesús en la cruz y el Espíritu Santo
con forma de paloma blanca) con la Virgen y san
Juan bajo la cruz, y los donantes -un mercader y
su esposa- arrodillados, fuera de la escena .
El gesto sencillo de la Virgen señalando al Hijo
en la cruz es muy elocuente e impresionante
porque es el único movimiento en el conjunto
solemne de la pintura. Sus figuras,
efectivamente, parecen estatuas, lo que se realza
mediante la perspectiva del marco que las
encuadra. Parece UNA REPRESENTACION ESCENICA en
la que podemos participar, y esta sensación es la
que hace de esta obra y de su mensaje algo nuevo
para la historia de la pintura.
18
Las Figuras presentan rasgos realistas,con escasa
movilidad para que refuerce el sentido divino de
la imágen. Los vestidos, sin demasiado interés
por las texturas, tienen trazos y formas
geométricas. La escena esta planteada como un
escenario teatral, donde se representa la
acción Nos podemos imaginar la sorpresa de los
florentinos al ver esta pintura mural, como si
fuese un agujero en la pared a través del que se
pudiera ver una nueva capilla en el moderno
estilo de Brunelleschi. Pero quizás les
impresionó más la simplicidad y la magnitud de
las figuras. En lugar de la delicadeza del
gótico internacional, vemos pesadas y macizas
figuras en lugar de curvas suaves, sólidas
formas angulares y, en lugar de pequeños
detalles como flores y piedras preciosas,
arquitectura majestuosamente austera..
19
COMPOSICION Como es típico también en el
Renacimiento se recurre a las formas geométricas
(cuadrado, rectángulo, círculo) para organizar
todo el espacio. Se trata de utilizar la
geometría como una forma de crear armonía, pues
todas las medidas del cuadro se realizan en
función de operaciones numéricas . Perspectiva.
Se trata de uno de las cosas más intereses de
la obra. Para conseguir este espacio fingido el
pintor ha utilizado especialmente la
arquitectura, colocando a los personajes en
distintos escalones que entran en el
espacio. Además, todo el fondo está tratado por
medio de una arquitectura clásica que, además de
tener carácter iconográfico (Arco del Triunfo
como Triunfo de Cristo sobre la muerte), permite
realizar una serie de líneas de fuga por medio de
sus casetones que coinciden en el punto de fuga y
también eje de la composición La Trinidad.
20
Los Recursos pictóricos Iluminación y
perspectiva relacionan el mundo pictórico con el
real, al situar a los donantes en un escalón
inferior, delante de la capilla, Masaccio
pretende indicar que se encuentran en nuestro
lado de la pared de la iglesia, justamente dentro
del espacio y la luz de la nave. La arquitectura
está iluminada desde la izquierda, que es de
donde viene la luz predominante en el conjunto
general de la nave. En términos pictóricos, el
único hueco posible que podía permitir el paso de
la luz en la capilla de la Trinidad es el arco a
través del cual vemos el fresco, lo que podía
crear la impresión de que la iluminación del
interior debería simular su procedencia del
exterior (...) lo que resultaba nuevo en este
caso concreto es el concepto de luz pictórica
entendido como extensión de la luz en la iglesia,
las figuras están iluminadas no por la fuente de
luz del interior de santa María Novella, sino por
una fuente sobrenatural, la que emana del halo de
Cristo al interceptar los rayos dorados que
brotan de la cabeza del Espíritu Santo. Además,
la sombra al lado de san Juan sirve para destacar
el rosa de su manto y si la cara de María se
iluminase frontalmente perdería su fuerza
dramática. En este cuadro se finge abrir una
capilla real, donde tiene lugar ante el fiel el
misterio de la Santísima Trinidad.
21
TEMA La escena une en el mismo espacio lo más
sagrado (Trinidad compuesta por Dios Padre, Hijo
crucificado y Paloma del Espíritu Santo), los
intercesores entre Dios y los hombres (María y
San Juan a los lados de Cristo) y los simples
mortales (representados como donantes o personas
arrodilladas que rezan ante la divinidad,
normalmente forma de representar a aquellos que
pagaban el cuadro). Técnica y soporte. La obra
se encuentra realizada en una pared utilizando la
técnica del fresco (pigmentos coloreados
mezclados con huevo como aglutinante) Composició
n es típicamente renacentista. Las figuras se
inscriben en un triángulo equilátero que crea una
movilidad pero sin generar angustia o tensiones,
subrayando el eje central en el que se encuentra
la Trinidad.
22
Línea y color. Predomina la línea sobre el color,
aunque ésta sea apenas perceptible. El dibujo es
sintético (con pocos detalles y una cierta
tendencia a la geometría, especialmente en los
paños). En cuanto al color está contrapesado para
no perder armonía. Fíjate en los rojos y azules
que se van alternando en el cuadro (El azul es un
frío y pesa menos que el rojo, un cálido su
organización equilibrada se hace para evitar que
una parte del cuadro sea más importante que la
otra) Luz es utilizada de forma representativa
por el autor, creando con ella claroscuros que
refuercen el carácter volumétrico
(tridimensional) de las figuras.
23
Masaccio va a conocer y aplicar las reglas de la
perspectiva científica, distribuyendo las escenas
de un mismo episodio (que pueden ser varias a la
vez) en función de un punto de fuga, dotándolas
de esta manera de una unidad e interrelación
narrativa que poco tenía que ver con obras
anteriores. Además, el tratamiento de la luz en
las diversas escenas es maestro, logrando con el
manejo del mismo una corporeidad en las figuras
(ya de por sí monumentales, debido a la
influencia de Donatello) y una ambientación
"física" plenamente realistas.
24
FRA ANGELICO 1387-1455) - Profunda religiosidad
huye de lo trágico. - Rasgos curvilíneos, finos
contornos, actitudes serenas (influencias
sienesas) - Colores vivos, de gran riqueza
cromático. - Goticista abundante uso del
dorado figuras alargadas y curvilíneas colorido
preciosista. - Renacentista volumen y
espacio obras Anunciación. Museo del Prado.
Frescos del Convento de San Marcos. Florencia.
Frescos de la capilla de Nicolás V. Vaticano.
 
25
SIMBOLOGIA Parece que ante la llegada del ángel
María ha dejado de leer el libro que ahora
mantiene sobre la pierna. Tanto ella como la
figura del ángel, son dos personajes rubios, de
blanca piel y de manos finas y alargadas. La
Virgen lleva una túnica de color rosado y un
manto azul. El ángel está vestido con un traje de
color rosa con franjas de oro. utiliza colores
muy vivos que le dan un toque alegre y a la vez
sencillo
LA ANUNCIACION
26
El tema principal de la obra se centra en dos
figuras, la del Arcángel San Gabriel y María. El
cuadro representa el anuncio de la maternidad de
María como madre del salvador en un primer plano
y en un 2º plano la expulsión de Adán y Eva del
paraíso terrenal. La escena se desarrolla en un
bello pórtico que desarrolla con sus bóvedas y
arcos la perspectiva y el espacio mediante el
punto de fuga que determina la arquitectura y la
tridimensionalidad de los cuerpos.
En el lado izquierdo, Adán y Eva son expulsados
del paraíso. Ya están vestidos y el ángel los
echa de un maravilloso jardín lleno de detalles
botánicos flores y frutos . El cuadro está lleno
de detalles, en los vestidos en el paisaje.
Fra-angélico, fraile dominico, toca temas casi
exclusivamente religiosos y conserva todavía
características de la pintura gotica
internacional, detallista y colorista, junto con
aspectos ya claramente renacentistas PERSPECTIVA
, TRIDIMENSIONALIDAD, ESPACIO. La elegancia
decorativa y un estilo realista refuerzan las
expresiones de devoción muy logradas en los
personajes.
27
La perspectiva lineal En la Anunciación de Fra
Angelico, pintada al fresco en el pasillo del
convento de San Marco en Florencia, la
perspectiva lineal está construída con una
precisión geométrica hasta en los mínimos
detalles arquitectónicos.
El espacio así creado da a los personajes una
"presencia" pacífica y armoniosa pero éstos
quedan en un espacio cerrado. El punto de fuga,
ubicado en la pequeña ventana, llama
irresistiblemente la atención del espectador que
debe "entrar" en el cuadro para impregnarse de la
belleza del acontecimiento.
28
En el ángulo izquierdo de la pintura se ven las
manos de Dios y de ellas sale un rayo de luz
dorada que viene recto hacia la derecha, en el
que vuela la paloma del Espíritu Santo . El
jardín que hay delante del pórtico está lleno de
flores y hay algunos árboles entre los cuales
puede verse a dos personajes Adán y Eva, en este
caso vestidos. Representa en conjunto la escena,
el principio y el final del pecado, los primeros
padres y la salvación del hijo de María. En la
parte inferior del cuadro hay un banco o predela
en la que se narran escenas de la vida de la
Virgen. La predela se compone de cinco paneles
donde se representan cronológicamente los
episodios Nacimiento y Desposorios, Visitación,
Adoración de los Magos, Presentación en el Templo
y Tránsito.
29
SANDRO BOTTICELLI 1445-1510
30
La ciudad de Florencia es la capital del arte
renacentista del Quattocento, gracias al
desarrollo económico y al apoyo de numerosos
mecenas, sobre todo la familia de los
Médicis. Uno de los más interesantes pintores de
este periodo es Botticelli (1445-1510), pintor
florentino que además de lo habitual en los
pintores de su época, trató con singular maestría
la sensualidad femenina encuadrada en temas
mitológicos de la antigüedad clásica. Son muy
destacables sus trazos elegantes y la fuerza
expresiva de sus líneas. Botticelli realizó
muchas obras, las más conocidas y apreciadas son
el nacimiento de Venus y la Alegoría de la
primavera ,son obras muy celebradas como logros
estéticos y mitológicos.    
31
Obra La primavera. Autor Sandro
Botticelli. Cronología Segunda mitad del S.XV.
Quatrocento (1477-1482). Estilo artístico
Renacimiento. Género artístico Pintura (temple)
sobre tabla. Otras obras El nacimiento de venus,
Palas dominando al centauro, El hombre del
medallón...  
32
ANÁLISIS   Esta es una pintura al temple sobre
tabla Galleria degli Uffizi, Florence. 203 x 314
cm Pintura - Témpera sobre madera 1492 c..
Visitada 19316 veces.   Personajes que aparecen
Apolo, Venus, Afrodita, gracias, Flora, Céfiro
Cloris, ninfa, ninfas   Descripción Apolo
aparece en la esquina extrema izquierda. En el
centro está Venus, a la izquierda de Venus están
las tres Gracias, y a su derecha la diosa Flora.
En el lado derecho de la pintura está el dios
Céfiro del viento persiguiéndo a la ninfa
Cloris. La respiración del Céfiro ocasiona que
la ninfa brote flores de su boca.  
33
LA PRIMAVERA Esta obra de la primera etapa, en
la que trabajó con los Medici es una alegoría
del reino del amor, divulgada por la filosofía
neoplatónica   COMPOSICION En el centro de la
imagen, sirviendo además de eje compositivo nos
encontraríamos con Venus, destacada porque en
torno a su cabeza, se dibuja una especie de
aureola con la vegetación. La composición se
estructura a base de triángulos, contribuyendo a
dotar aún más al cuadro de sensación de
serenidad. La luz es homogénea, no crea sombras
ni aparece claramente identificada y con respecto
al color, predominan los tonos suaves, destacando
los complementarios, como el rojo y el verde.  
34
(No Transcript)
35
SIMBOLOGIA Mediante este complejo relato se
trataría de crear uno de los círculos
neoplatónicos del Amor. Éste surge en la tierra
mediante la pasión (representada por la actitud
de Céfiro) y regresa al cielo como contemplación
(la de Castitas hacia Mercurio y la de éste
hacia el cielo). Esto para un neoplatónico es lo
mismo que decir que el amor carnal no es el
verdadero (así desaparece al tocarlo, igual que
Cloris), sino que debe convertirse para que sea
real, en un amor contemplativo, espiritual e
idealizado (platónico). La rememoración de este
tipo de mundo se hace mediante la ausencia de
perspectiva, para construir un escenario que no
sea real. El protagonismo, como es característico
del pintor le corresponde a la línea que marca un
suave ritmo ondulante, haciendo parecer a las
figuras como bailarines de un mundo ajeno al
real.
36
Sobre Venus se encuentra Cupido, que lanza una
de sus flechas hacia una de las ninfas que
acompañan a Venus
37
CÉFIRO Y LA NINFA CLORIS A la derecha del
espectador aparece Céfiro, uno de los vientos,
que persigue a la ninfa Cloris que, en el momento
en que éste la toca empieza a expulsar flores por
la boca para transformarse en Flora-
38
FLORA- , diosa de la vegetación y de las flores,
que nos mira sonriente a la vez que parece ir
esparciendo las flores que conforman su vestido.
39
LAS TRES GRACIAS voluptas, pulcritud castidad.
A la izquierda (del espectador) se representan
las Tres Gracias, las servidoras de Venus, muy
apreciadas por los neoplatónicos, que les van a
atribuir las mismas virtudes que a la diosa.
Aparecen realizando una especie de danza,
vestidas con telas semitransparentes,
correspondiéndose la que está más a la izquierda
del cuadro con Voluptas, la de la derecha con
Pulchritudo y la que está de espaldas, hacia la
que apunta la flecha de Cupido, con Castitas,
que precisamente se vuelve hacia el dios
Mercurio, pintado a la izquierda de la
composición.
40
VENUS Venus aparece representada con los
atributos de una mujer casada, simbolizar la
fuerza creadora del orden natural.
MERCURIO mensajero de los dioses, es el nexo de
unión entre la tierra y el cielo.
41
La Ninfa CLORIS
42
CEFIRO Hijo del Dios del Viento y la ninfa
Cloris, su aliento se convierte en flores
simboliza la primavera.
43
CARACTERISTICAS GENERALES   Esta obra está
situada en la segunda mitad del Quattrocento
(S.XV) . La pintura de esta época de
caracteriza -Por su total independencia, ya que
no es utilizada para adornar la arquitectura -Por
la aparición de nuevos temas, como son las
alegorías , los temas mitológicos, las pinturas
totalmente paisajísticas y los estudios de la
anatomía e incluso los desnudos integrales. -Da
mucha importancia al dibujo la composición y la
armonía. -Usa diversas técnicas. pintura mural
y sobre lienzo (tela) y uso del temple (clara de
huevo) hasta finales de siglo que llega el óleo
(aceite de linasa). El quattrocento se
subdivide en dos momentos 1) La primera mitad
del siglo caracterizado por el estudio del
volumen, la perspectiva y la monumentalidad. 2)
La segunda mitad del siglo, que es una pintura
más delicada, narrativa, movida y con detalles
cotidianos
44
En el quattrocento se pueden diferenciar tres
tendencias  1) Continuación del gótico
lineal (gran uso de la línea, el dibujo,
perspectiva y dibujo alegre con autores como
Fra  Angelico). 2)Experimentación
normativa (gran avance del volumen y el espacio
que se puede ver en autores como Masaccio y
Piedro della Francesca). 3) Gusto por lo
complicado y rico (donde abundan los detalles
cotidianos y la dinámica y la narrativa en sus
obras. Aquí encontramos autores como Botticelli)
de donde procede el autor de esta obra
Botticelli,que se formó en un taller de
orfebrería, convirtiéndose en el pintor favorito
de los Medicis, hace un arte menos revolucionario
y más dulzón, aunque será una de las
personalidades más influyentes y famosas de su
época. Botticelli representa el espíritu
neoplatónico con formas delicadas, suaves, bellas
y sensibles.Suele hacer grandes cuadros
mitológicos, que son alegorías de carácter
didáctico-moral sobre la educación de los
jóvenes. Su pintura es elegante y decorativa, al
gusto refinado de la Florencia de finales de
siglo XV. El color no le sirve para modelar y sus
figuras son planas, pero sus pinturas rezuman
clasicismo y por ello trabajó para los Medicis en
una atmósfera refinada, clásica, humanista y
elitista. Sus dos mejores obras mitológicas las
hace para los Medicis, La primavera, y El
nacimiento de Venus, que simbolizan el amor y la
belleza.
45
EL NACIMIENTO DE VENUS
46
Venus representa el amor, la belleza y el ideal
femenino. La diosa parece hecha de mármol e imita
la postura de una famosa estatua romana, la
Venus Púdica, en la que castamente trata de
cubrir su cuerpo con las manos. Los largos y
dorados bucles son caracteristicos de la obra de
Boticelli, así como los ojos abstraidos y las
manos con uñas largas y bien cuidadas.
47
(No Transcript)
48
Céfiro el viento del oeste sopla una suave brisa
que impulsa a la diosa a la costa. Suele
representarse como un joven alado y aquí aparece
entrelazado con su esposa Cloris. Ambas figuras
flotan contra un simple fondo plano, como si se
trataran de recortes de papel. Céfiro era el
único viento al que se le permitía entrar en el
jardín de Venus, es quien proporciona el rocio y
las dulces fragancias.
49
Rosas Algunos de los simbolos atribuídos a la
diosa eran la rosa, el mirto, la manzana, el
delfín y la tortuga. Su carro, hecho de conchas
marinas suele ser tirado por palomas o cisnes.
En el cuadro aparece una lluvia de rosas y una
concha de nácar o madreperla, ejemplos claros de
sus atributos.
50
FLORA La Primavera La figura de la derecha
representa a una de las Horas o Estaciones. Lleva
una guirnalda de mirto y su vestido de flores
sujeto con un cinturón de rosas sigue la moda
florentina de la época. En un principio, las
Horas eran tres, ya que sólo se conocían tres
estaciones (primavera, verano e invierno),
posteriormente se multiplicaron y acabaron por
ser tantas como las horas del día. Estaban al
servicio de la Diosa y entre otras funciones, se
ocupaban de abrir y cerrar las puertas del cielo.
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TEMA Mitologico Representa a VENUS la Diosa del
amor y la Belleza llegando a la costa sobre una
concha tras haber nacido de la espuma del mar
Cefiro , el viento del Oeste y la ninfa de las
flores, Cloris su esposa vuelan enzarzados
impulsando con su soplo de viento a Venus. En la
Orilla la espera la Primavera con un manto
bordado de flores para arroparla. SIMBOLISMO el
cuadro esta lleno de símbolos que aluden al amor
idealizado del platonismo , La concha sobre la
que va la Diosa simboliza la Fertilidad Las rosas
simbolizan la alegría del amor pero también las
amarguras con sus espinas. La guirnalda que se
ciñe sobre la primavera simboliza el amor eterno.

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COMPOSICION La composición es triangular y
simétrica , la figura central es la Diosa muy
serena y la tensión y el movimiento lo dan los
dos conjuntos de la derecha y la izquierda ,
Cefiro y Cloris completamente enlazados y
flotando y la primavera envuelta en amplios y
vaporosos ropajes movidos por el viento TECNICA
Boticelli no utiliza la perspectiva , el paisaje
es convencional e idílico Prima la línea y el
dibujo ,las figuras están dibujadas con una línea
negra nítida que delimita el contorno. Utiliza
colores suaves y las figuras femeninas tiene una
gran palidez que contrasta con la piel oscura de
Cefiro. Las figuras están idealizadas , son
esbeltas y delicadas LA SENSACION DE IRREALIDAD
se acentua con la esquematización del fondo y la
minuciosidad en los detalles      
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FIN DE LA PRESENTACIÓN ESPERO QUE OS GUSTE INMA
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